Debutul Filarmonicii din New York a lui Bernstein

Debutul Filarmonicii din New York a lui Bernstein

La 14 noiembrie 1943, o introducere la concertul Orchestrei Simfonice a Filarmonicii din New York la Carnegie Hall anunță că tânărul dirijor asistent de origine americană, Leonard Bernstein, va lua locul lui Bruno Walter, care s-a îmbolnăvit.


La cea de-a 175-a aniversare a Filarmonicii din New York

Pentagramă de curtoazie

Prin una dintre acele coincidențe norocoase, 2017 a fost atât aniversarea a 175 de ani de la fondarea Filarmonicii din New York, cât și a împlinirea a 100 de ani de la prima înregistrare. Pentru a comemora aceste ocazii, Sony / BMG a creat un set de 65 de CD-uri numit Filarmonica din New York: ediția a 175-a aniversare (Sony 533636) care probează lansările orchestrei, de la înregistrarea inițială a lui Josef Stransky a uverturii lui Ambroise Thomas până la Raymond la înregistrarea lui Kurt Masur din 1995 a concertului pentru violoncel al lui Antonín Dvořák cu Yo-Yo Ma. Cu foarte puține excepții, include lansările orchestrei inițial atât pe etichetele RCA Victor, cât și pe cele Columbia. Ceea ce a venit înainte și ceea ce a urmat lipsesc, din motive destul de diferite.

Anterior, din 1842 până în 1917, este ușor de explicat. Înregistrarea sonoră a început abia în 1877, iar înregistrările orchestrale timpurii nu au fost adesea încercate, deoarece sunetul unei orchestre nu putea fi decât aproximat. Disponibile erau intrarea acustică (adică claxonul de înregistrare) și ieșirea neamplificată (din nou prin claxon), toate auzite prin discuri de șelac de 78 rpm redate timp de aproximativ patru minute fiecare. Prin urmare, primii ani ai Filarmonicii sunt nedocumentați din punct de vedere fonic, de la concertul inițial din 1842, care a început cu a cincea simfonie a lui Ludwig van Beethoven, până în epoca maestrilor dirijori, în special a lui Theodore Thomas (1877–91), Anton Seidl (1891–98), și Gustav Mahler (1909–10). Au existat, de asemenea, ani intermediari, mulți dintre ei caracterizați de mai mulți dirijori, o situație inutilă replicată în mulți ani viitori.

Setul Filarmonicii începe cu succesorul lui Mahler, Josef Stransky (1911–23). Calitatea operei sale este contestată, dar se pare că, deși era aventuros în repertoriu, talentele sale erau inegale cu muzica sa aleasă. Înregistrările sale, prima orchestrei, au fost compuse din douăzeci și șase de piese scurte și populare, stabilite în 1917-19. Setul nostru are Raymond uvertură și o lectură prescurtată a mișcării lente a celei de-a Noua Simfonii a lui Dvořák, în premieră de Filarmonica sub Seidl în 1893. După cum subliniază scurtele dar informative note ale Barbara Haws, mai mulți jucători de pe înregistrare au jucat probabil în acea primă reprezentație. Sunetul din 1917 de pe ambele piese este de înțeles grosolan și spune puțin despre orchestră.

După plecarea lui Stransky, Filarmonica din 1923 l-a angajat pe Willem Mengelberg de la Orchestra Concertgebouw din Amsterdam ca dirijor principal. Stransky și Mengelberg au devenit co-dirijori pentru sezonul 1922–23, o situație tipică pentru New York. Mai puțin obișnuit, Mengelberg nu a devenit niciodată singurul dirijor: a împărțit întotdeauna slujba cu unul sau mai mulți alții. Chiar și așa, făcând cea mai mare parte a muncii, a restaurat jocul orchestrei și a realizat o serie de înregistrări cu aceasta din 1922 până în 1930.

În aprilie 1922, 1923 și 1924 Filarmonica și Mengelberg au înregistrat paisprezece piese acustic pentru (RCA) Victor. Sunetul lor este îmbunătățit față de eforturile lui Stransky de cinci ani mai devreme, dar încă brut. Setul include una dintre acestea, prima mișcare (singura parte înregistrată) din a cincea simfonie a lui Beethoven. Însă lucrul la microfoane (și amplificare și difuzoare) la începutul anilor 1920 a revoluționat captarea sunetului și a permis înregistrarea „electrică”, al cărui sunet era capabil să aibă o gamă dinamică și o subtilitate mult mai mare decât permiteau coarnele acustice. Din păcate, mijlocul de livrare a rămas discul de 78 de minute cu o rotație de patru minute, iar sesiunile de înregistrare au fost aranjate pentru a captura piese în aceste bucăți mici, deși unele înregistrări ar putea fi realizate pe film, permițând lungimi mai mari să fie stabilite neîntrerupt. (În spatele acestui lucru se afla adăugarea de sunet la filmele silențioase de la Hollywood de la mijlocul anilor douăzeci.)

RCA Victor între sfârșitul anului 1925 și începutul anului 1930 a adus Mengelberg și Filarmonica în studiourile lor actualizate pentru a realiza aceste noi înregistrări electrice. Din sesiunile din 1925, setul are două piese, una fiind prima înregistrare electrică a orchestrei, uvertura lui Richard Wagner către Olandezul zburător. Din 1928 are ambițioasa înregistrare completă a lui Richard Strauss Ein Heldenleben, în premieră și dedicată lui Mengelberg. Sunetul este destul de bun, iar spectacolul, cu schimbările sale subtile de tempo, demonstrează precizia excepțională și sunetul solid al interpretării orchestrei. Până în 1930, Mengelberg devenise doar un dirijor invitat, dar a înregistrat atunci atât simfoniile Beethoven, cât și a treia, cu Filarmonica. A treia, o lectură superbă, este în set. (Sună mult mai bine pe Pristine PASC 412, împreună cu primul. Toate înregistrările filarmonice ale lui Mengelberg au fost restaurate de Ward Marston [RCA, Biddulph], Mark Obert-Thorn [Biddulph, Pristine] și Andrew Rose [Pristine]. Numai numerele curate [înregistrările din 1928–30 rămân tipărite.)

Este inclusă singura înregistrare a unei opere americane de către Mengelberg, splendidul poem-ton al lui Ernest Schelling O minge de victorie (înregistrat în 1925), după poemul omonim al lui Alfred Noyes din 1920. Mengelberg îl cunoștea pe Schelling pentru că a fondat Concertele pentru tineri ale orchestrei în 1924. Popularizate ulterior de Leonard Bernstein, acestea încă există.

Mengelberg și grupul au fost, de asemenea, implicați în 1926 și 1927 în captarea electrică a sunetului pe film prin „Light-Ray”, de la Brunswick Company, o firmă de furnizare de bowling care a decis să încaseze noua nebunie. (Partea de bowling a companiei prosperă astăzi.) Cea mai mare realizare a sa, o Simfonie completă a lui Pyotr Ceaikovski pe douăsprezece părți, nu a fost niciodată lansată. Dar printre toate acestea s-au strecurat primele înregistrări filarmonice ale lui Arturo Toscanini.

Toscanini s-a alăturat lui Mengelberg și orchestrei în 1926 ca unul dintre mai mulți dirijori invitați. Până în 1927, el și olandezul deveniseră co-dirijori, iar în 1928 i s-a permis să selecteze muzicienii care să rămână din fuziunea Filarmonicii cu Simfonia New York a lui Walter Damrosch, redenumită Filarmonica-Simfonie din New York. (Noul nume ciudat a rămas câteva decenii, dar va fi ignorat aici.) Până în 1929, Mengelberg fusese îndepărtat de statutul de invitat, iar Toscanini a devenit dirijorul principal al Filarmonicii, funcție pe care a ocupat-o până la mijlocul anului 1936.

În anii 1920, maestrul italian trecea de la decenii de muncă operistică la dirijarea orchestrală, la fel cum Mahler făcuse la New York în 1909. Toscanini a dirijat o orchestră simfonică de jucători La Scala intermitent de câțiva ani, dar a fost nou pentru o mare parte din repertoriul standard, așa că, de-a lungul carierei sale filarmonice, o mare parte din muzică a fost proaspătă și interesantă pentru el, determinându-l să experimenteze interpretări. Avea o ureche exactă, o amintire prodigioasă, o abilitate uimitoare de a studia și stăpâni scorurile și o voință de fier (și un temperament feroce) cu care să-și impună ideile. Și nu-i plăcea să facă înregistrări.

Părțile sale „Light-Ray” din Brunswick, două mișcări din muzica lui Felix Mendelssohn pentru Visul unei nopți de vară, nu i-a plăcut. Dar RCA l-a convins să încerce din nou în martie 1929 folosind al lor o nouă metodă, iar Toscanini a stabilit, împreună cu piese mai scurte, ambele ale lui Mozart Haffner Symphony (numărul 35) și Haydn’s Ceas Simfonie (numărul 101). Speranța specială a RCA a fost să înregistreze a cincea simfonie a lui Beethoven pentru a-i însoți pe cei doi ai lui Mengelberg, de preferință într-un concert live. O încercare din 1931 nu i-a plăcut lui Toscanini și nici nu a făcut-o pe alta în 1933. În cele din urmă, a acceptat să stabilească a șaptea simfonie a lui Beethoven în 1936, obținând una dintre cele mai mari înregistrări filarmonice.

Aproape toate aceste lansări comerciale Toscanini împreună cu Filarmonica se află în cutie, inclusiv Beethoven Fifth din 1933. (Brunswick Mendelssohns din 1926 sunt aici mai degrabă decât remake-ul RCA din 1929 al Scherzo.) Ca și în cazul Mengelbergs, s-au făcut încercări alternative de a îmbunătăți sunetul fiecăruia dintre ei. Mark Obert-Thorn a făcut o astfel de restaurare pentru Pearl la sfârșitul anilor 1980 și alta pe cinci CD-uri pentru Naxos în 2002, care a inclus toate filmările înregistrate. (Acesta din urmă a inclus, de asemenea, o restaurare minuțioasă și reușită a lui Beethoven Fifth din anul 1931. Ambele seturi sunt epuizate.) Cel mai bun lucru este restaurarea lui Richard Caniell din 2017 pentru Immortal Performances, Înregistrările Victor au fost restaurate (IPRMS IPCD 1087-3 3 CD-uri), care are atât o mai mare claritate, cât și mai mult corp și greutate în sunetul Filarmonicii. Acest lucru a fost făcut ca o contribuție la 150 de ani de la nașterea lui Toscanini în 2017, a treia cauză de sărbătoare a anului.

După cum știa RCA, adevărata magie Toscanini a putut fi auzită și capturată doar în concerte live, iar acest lucru a devenit cu adevărat posibil doar în aer în ultimele două sezoane ale Filarmonicii maestrului, în primăvara anilor 1935 și 1936. Cu asistența Toscanini Estate, Caniell restaurează multe dintre aceste concerte, inclusiv ciclul Brahms cu șase concerte și încheierea Beethoven Missa Solemnis din 1935 și patru concerte complete (până acum) din 1936. (Un alt CD complet Beethoven este în curs de lansare.) În acestea, în ciuda scrapărilor ocazionale de suprafață, se pot auzi Filarmonica și Toscanini cântând glorios, stabilind standarde de performanță care ar atârna peste grupului și dirijorilor săi pentru deceniile viitoare.

RCA Victor în martie 1932 a surprins și o înregistrare rătăcită de Sir Thomas Beecham, a lui Strauss Don Quijote, care a rezultat din absența lui Toscanini, cauzată de durerea brațului superior, care a lăsat datele pentru a fi completate de către oaspeți. Succesul Beecham din New York cu piesa Strauss a dus la această înregistrare încântătoare, inclusă în cutie. Ca și în cele anterioare Heldenleben, sunetul este destul de bun.

Apoi, la mijlocul anului 1936, Toscanini a părăsit Filarmonica. În afară de Wilhelm Furtwängler, care a fost respins (și, de asemenea, a refuzat), el a propus doi candidați să se succedă, John Barbirolli și Artur Rodzinski. Tânărul, relativ neexperimentat, Barbirolli a fost ales și a început cu orchestra în toamna anului 1936, deschizându-se cu Hector Berlioz Overtură de carnaval roman, care este inclus în setul de cutii. Primul sezon a decurs bine, atât din punct de vedere critic, cât și cu publicul, în mare parte pentru că Barbirolli a jucat majoritatea cu Orchestra sa scoțiană (astăzi Royal Scottish National Orchestra). În anotimpurile ulterioare, a devenit copleșit de toate noile scoruri pe care i se cerea să le învețe și a avut mai puțin succes cu ele. Mai rău, a căzut pradă orchestrei „Am jucat-sub-Toscanini – Cine-crezi-tu-tu-sunt?" sindrom, care a rămas parte din abordarea lor față de dirijori prin anii 1970, când Boulez a oprit-o brusc. (Ei bine, parțial – Zubin Mehta a obținut și acest lucru.) Și neînțelept, era mult mai puțin exigent decât Toscanini: „Dl. Barbirolli ar face bine să-și dea seama că Filarmonica poate sa cântați la fel de bine ca orice orchestră existentă, dar o va face doar dacă este făcută. ” Poziția lui Barbirolli nu a fost ajutată de întoarcerea lui Toscanini la New York în 1937 pentru a dirija Simfonia NBC, creată pentru emisiunile radio de către maestrul, multe emise pe înregistrări de RCA Victor. Criticii s-au înrăutățit față de tânărul englez, în special proaspăt numitul Virgil Thomson, iar Barbirolli a fost tot mai forțat să împartă îndatoririle de conducere cu alții. A durat până la aniversarea a 1942 de ani a orchestrei când, în mijlocul unei serii de „dirijori invitați”, Toscanini a dirijat un ciclu complet de simfonie Beethoven cu Filarmonica. În 1943 Barbirolli nu s-a întors fără voie în Anglia și a restaurat Orchestra Hallé.

Barbirolli a programat lucrări moderne (conservatoare) și compoziții englezești ambele tipuri au înstrăinat publicul, care fusese predat de „Racheta de apreciere a muzicii” (așa cum o numea Thomson) că doar „Marile clasici” contau, în special cele interpretate de Toscanini. Orice altceva era „experimental” și de disprețuit. Majoritatea înregistrărilor lui Barbirolli din 1938 până în 1942 aveau un repertoriu de bază, chiar dacă erau puțin mai puține decât cele ale lui Toscanini, în mare parte pentru că se aflau pe Columbia Records, atunci un rival parvenit cu marca RCA Victor, iar Columbia avea nevoie de astfel de piese pentru a concura. În cutie se află a patra simfonie a lui Franz Schubert, a doua simfonie a lui Brahms și primele două simfonii ale lui Jean Sibelius. Orchestra le face pe toate bine, deși cântă mai puțin precis decât sub Mengelberg sau Toscanini, iar lecturile lui Barbirolli sunt în general necontrolate. (Sibelius este neregulat.) Sunetul lor restaurat aici este destul de turtit. Este servit mult mai bine de restaurările lui Michael Dutton pentru Barbirolli Society, care oferă și CD-uri cu alte concerte comerciale și live ale Filarmonicii, acesta din urmă înregistrând profesional pentru dirijor. (Cele mai multe dintre acestea sunt acum disponibile de pe site-ul Societății Barbirolli.) Având în vedere toate dovezile, Barbirolli s-a descurcat mai bine decât ar avea miturile istoriei Filarmonicii.

Printre dirijorii invitați ai lui Barbirolli s-au numărat Igor Stravinsky, a cărui influentă înregistrare din 1940 a Le sacre du printemps este inclus aici și Beecham, a cărui excelentă simfonie Sibelius din 1942 ar fi trebuit să fie inclusă în 1942. Cel mai important pentru Filarmonică a fost întoarcerea apostolului lui Mahler, exilatul Bruno Walter, care a condus orchestra deseori din 1923 până în 1935. Walter și-a deschis spectacolele pentru invitații la Filarmonică în ianuarie 1941 cu puternica Simfonie a VIII-a a lui Anton Bruckner (Music & amp Arts CD-1106 ) și a lui Mahler Das Lied von der Erde, ambele lucrări romane și nu prea binevenite la New York. Walter s-a stabilit curând și a devenit pilonul principal al Columbia Records al repertoriului austro-german standard, bastionul lor împotriva Toscanini - un alt motiv pentru care Barbirolli a devenit redundant. Setul nostru include atât al treilea Beethoven al lui Walter, cât și a cincea sa simfonie din 1941, realizată în stilul său incipient.

Abordarea lui Toscanini a fost restabilită la Filarmonică de către succesorul lui Barbirolli și prima alegere a lui Toscanini pentru a-l succeda, Artur Rodzinski, care a preluat în toamna anului 1943. Din păcate, prima acțiune notabilă a lui Rodzinski a fost concedierea a paisprezece jucători, inclusiv a concertistului ales de Toscanini. (Uniunea muzicienilor a fost deosebit de nefericită.) El a continuat să reconstruiască orchestra, să îi redea o mare parte din precizie și să interpreteze o gamă largă de programe. Deoarece repertoriul central era înregistrat de Walter, Columbia a avut Rodzinski ramură, în special în compozitori ruși. Setul are Cea de-a șasea simfonie și a patra suită a lui Ceaikovski, A doua simfonie a lui Rachmaninoff și Cea de-a cincea a lui Prokofiev - împreună cu a patra rar auzită a lui Sibelius, toate cu un sunet bun. Acestea ar putea fi completate în mod util de o splendidă Simfonie a 8-a a Shostakovich din breaslă (GHCD 2322). Nu există o mulțime de măturare romantică sau pasiune în niciuna dintre acestea, dar spectacolele lui Rodzinski sunt idiomatice, iar jocul Filarmonicii este asigurat.

Lui Rodzinski i-a plăcut să cânte opere în concert, iar la 25 noiembrie 1945 Filarmonica a difuzat un concert major Wagner cuprinzând „bucăți de sângerare” din Der Ring des Nibelungen precum și actul complet 3 din Die Walküre și sfârșitul scenei de imolare Götterdämmerung, ambele având ca protagonistă soprana Helen Traubel din Metropolitan Opera. Pentru a economisi timp, actul Walküre a fost tăiat la modul standard Met. Dar o înregistrare a actului netăiat a fost făcută în luna precedentă, a fost lansată de Columbia și este listată de Sony în programul box. Din păcate, nu este la fel de publicitar. Sony a inclus în mod eronat concertul propriu-zis, cu reduceri (51 de minute), deși a emis actul complet (61 de minute) în 2001 pe eticheta sa obscură de CD-uri retrospective (SBK 89599). Aceasta înseamnă că Sieglinde nu este publicitatea Irene Jessner, ci Doris Doree a concertului. (Ambele doamne sunt destul de bune.) O restaurare mai bună a concertului cu părțile tăiate adăugate din anii 78 (și note ale acestui autor) a fost emisă de Immortal Performances (IPCD 1093-2). Mai avem nevoie de o reeditare a actului complet înregistrat din luna mai.

Rodzinski l-a adus ca invitat frecvent pe George Szell, la acea vreme dirijând în principal la Met. Szell este o altă omisiune îngrozitoare a setului de cutii, care nu apare deloc în el, deși a condus Filarmonica frecvent din 1943 până în 1970 și a făcut mai multe înregistrări cu ei. La fel ca Rodzinski, discipol Toscanini, Szell a restabilit întotdeauna disciplina grupului, mai ales în perioada Bernstein. Bernstein însuși a debutat la Filarmonică ca invitat în 1943, în timpul mandatului lui Rodzinski. Primul său concert difuzat a fost reeditat pe CD de Filarmonica.

Rodzinski a programat mai aventuros decât Barbirolli și astfel a căzut și în publicul reacționar din New York. A renunțat și la conducere, ducând la demisia sa bruscă în 1947. Bruno Walter a fost de acord să devină „consilier muzical” în timp ce căutarea unui înlocuitor era în desfășurare între 1947 și 1949. (I se ceruse să preia de la Barbirolli în Walter a continuat să înregistreze și a reușit ca Columbia să capteze a patra și a cincea simfonie a maestrului său Mahler cu Filarmonica (1945 și 1947) ambele sunt primele înregistrări și ambele sunt în acest set. Este inclusă, de asemenea, o animată simfonie Dvořák din 1947.

După 1949, înregistrarea sa schimbat, datorită a două modificări majore ale tehnologiei. Beneficiază de artiști, a început să se facă pe bandă magnetică, ceea ce a permis atât o fidelitate sporită a sunetului, cât și o mai mică întrerupere a schimbărilor laterale. În ceea ce privește consumatorul, introducerea unor discuri de lungă durată, sau LP-uri, care se învârteau la 33 1/3 rpm mai degrabă decât la 78 rpm (un beneficiu al îmbunătățirilor motorului în timpul războiului) a însemnat că duratele de redare au crescut de la aproximativ patru minute pe partea de doisprezece inch. până la aproximativ douăzeci și trei de minute. Și discurile erau mai degrabă din plastic („vinilul” de azi) decât șelac și, prin urmare, „incasabile”. (În câte ocazii am auzit exagerări corporative de genul acesta care s-au dovedit a fi neadevărate?)

Ca urmare a acestor schimbări, Walter și-a mărit treptat numărul de înregistrări.În 1949 a condus un ciclu Beethoven cu Filarmonica și a înregistrat toate simfoniile și multe altele în 1951 a făcut același lucru pentru Brahms. Niciuna dintre aceste spectacole memorabile nu este inclusă în set, denaturând imaginea pe care o oferă despre istoria și realizările filarmonice. (Beethoven și Brahms au fost reeditate pe eticheta Sony Archives acum abandonată de Sony cu aproximativ douăzeci de ani în urmă, simfoniile Brahms sunt încă disponibile pe un set anglo-francez pe Sony Classic Recordings [517187 2 CD-uri]. [PABX005 6 CD-uri].) Mai semnificativ ar fi mai mulți Mahler: prima simfonie (1954), a doua simfonie (1958) (Sony SM2K 64447 2 CD-uri) și Das Lied von der Erde (1960) (Sony SMK 64455), ultimii doi folosind următoarea inovație, stereo. The Lied ar trebui completat cu spectacolele live ale lui Walter din 1948 din New York (Kathleen Ferrier, Set Svanholm) (Pristine PACO 137) și 1960 (Maureen Forrester, Richard Lewis) (Music & amp Arts CD-206), acesta din urmă fiind seara festivalului Mahler încheind sărbătoarea centenară a Filarmonicii a nașterii compozitorului. În lumina tuturor acestor activități, lipsa tuturor înregistrărilor Walter după 1947 în cutie este de neiertat.

În 1947, Walter a împărțit podiumul cu trei candidați la conducerea principală: Charles Munch, care a plecat la Boston în 1949, Leopold Stokowski, care probabil ar fi (și ar fi trebuit) să rămână cu grupul, și Dimitri Mitropoulos, care a obținut postul. Toți trei au reprezentare în set. Discul inutil Munch prezintă a treia simfonie a lui Saint-Saëns, pe care a făcut-o mult mai bine la Boston. Mult mai reprezentativ este discul lui Stokowski, cu Olivier Messiaen L’Ascension A șasea simfonie a lui Ralph Vaughan Williams, prima sa înregistrare și câteva articole Wagner. „Stokie” a fost un maestru al tuturor acestor piese, în special a celor moderne, și acesta este un CD valoros. (Toate discurile Filarmonicii lui Stokowski, plus câteva piese live, sunt reproduse pe trei CD-uri Cala, toate din păcate acum epuizate. Legendarul său spectacol live din New York din 1950 a enormei Simfonii a opta a lui Mahler este pe Music & amp Arts CD-1130.)

Dimitri Mitropoulos a preluat Filarmonica în 1949, a fost supus, ca Barbirolli, la o creștere a ostilității critice (și oarecum publice) și, la fel ca Barbirolli și alții, a fost obligat să împărtășească ultimul său sezon cu un nou venit. Dirijorul grec a fost angajat parțial pentru a aduce New York-ul în epoca modernă, în timp ce Walter a menținut repertoriul austro-german de bază. („Modernul” pentru newyorkezi în anii cincizeci a fost aproape orice din jumătatea secolului precedent și nu au vrut să o audă. Muzica contemporană a vremii se descurca și mai rău.) Mitropoulos s-a luptat, a înregistrat o afacere bună, mai ales muzica rusă și unele dintre cele mai bune dintre ele sunt aici, ultimele sesiuni fiind în stereo (în special suitele de la Prokofiev Romeo si Julieta). S-a păstrat mult mai mult în altă parte „în direct” din aer, oferind deseori spectacole mai izbitoare decât cele comerciale.

Setul include spectacolele de concert ale lui Alban Berg Wozzeck, cu Eileen Farrell și Mack Harrell, și cu Arnold Schoenberg Erwartung, cu Dorothy Dow. Conține multe poezii în ton francez și multe piese rusești (de Alexander Borodin, Alexander Scriabin, Ceaikovski, Prokofiev, Șostakovici). Dintre înregistrările comerciale importante ale lui Mitropoulos îi lipsește cele ale lui Hector Berlioz Les Nuits d’Été (cu Eleanor Steber), a lui Claude Debussy La Mer, Lui Morton Gould Legendă Fall River, Concertul pentru pian al lui Leon Kirchner (cu Kirchner), a treia simfonie a lui Peter Mennin, concertele pentru vioară Prokofiev, a cincea simfonie a lui Shostakovich, a patra simfonie a lui Vaughan Williams și altele. Dintre spectacolele sale live, concertele lui Mahler ar trebui să fie ascultate (multe dintre acestea sunt pe Music & amp Arts CD-1021 6 CD-uri), în timp ce concertul său citea Richard Strauss Elektra cu Astrid Varnay, Elena Nicolaidi și Herbert Janssen din 1949 a fost numit de Olin Downes, niciun fan al dirijorului, „unul dintre evenimentele muzicale legendare din istoria acestui oraș” și „uluitor” de Virgil Thomson, un alt non-fan . (Poate fi auzit pe Guild, excelent restaurat de Caniell [GHCD 2213/14 2 CD-uri].)

Mitropoulos a condus în întregime din memorie, a fost aproape mistic implicat în muzica pe care o cânta și a avut frecvent informații speciale despre ea. În multe cazuri, un spectacol Mitropoulos este ca nimeni altcineva, destul de des mai convingător decât alte spectacole. A X-a Simfonie a lui Shostakovich (inclusă în cutie) și Concertul pentru vioară (cu David Oistrakh și, din păcate, neincluse) rămân repere care trebuie stabilite alături de înregistrările creatorului lui Yevgeny Mravinsky. Spectacolele sale live Mahler, alături de Walter, au creat un public din New York pentru dirijorul anterior al Filarmonicii. Din păcate, Mitropoulos nu era un disciplinar, iar orchestra a venit să-l trateze rușinos în felul lor obișnuit.

La mijlocul anului 1956, se pare că Guido Cantelli îl va înlocui pe Mitropoulos cu Filarmonica. (Pristine Audio oferă șapte CD-uri cu aparițiile live ale lui Cantelli împreună cu orchestra.) Dar Cantelli a murit în noiembrie 1956 într-un accident de avion și căutarea a continuat. În curând, postul a fost oferit protejatului lui Mitropoulos, Leonard Bernstein, care a fost co-dirijor pentru sezonul 1957–58. După apariția neplanificată din 1943, Bernstein conducuse Filarmonica ocazional, mai frecvent în anii 1950. El a înregistrat a doua simfonie, Epoca Anxietății, cu ei în 1951 acest lucru este în set. În calitate de nou dirijor permanent, Bernstein a început să înregistreze extensiv cu Filarmonica începând cu 1958. Până în 1989, el a pus împreună cu ei peste două sute de compoziții, cea mai mare parte în stereo, realizate atât pentru Columbia, cât și pentru Deutsche Grammophon (acesta din urmă nu se afla în platou) ). O problemă majoră pentru el a fost locul de înregistrare. În 1962 Bernstein a prezidat deschiderea Philharmonic Hall la noul Lincoln Center (o parte din acest concert este în platou), unde acustica nu a fost niciodată potrivită pentru înregistrări. (Și încă nu sunt, deși mai bune decât în ​​1962.) Dar Columbia a găsit site-uri alternative pentru el, iar utilizările lor tot mai mari de manipulare electronică și editare de benzi „creative” au produs întotdeauna un produs sonor acceptabil - deși nu întotdeauna unul care suna ca ceea ce a fost auzit în hol.

Toate lucrurile s-au unit pentru Lenny, așa cum era numit cu afecțiune. Era educat, articulat, frumos, curios, capabil să stăpânească rapid noi scoruri și să-și transmită entuziasmul atunci când a făcut-o. El a fost extravagant pe podium, dar avea o carismă de ars, iar asta îi asculta ascultătorilor. Era o creatură a epocii stereo LP, când muzica clasică era încă familiară pentru tineri și era ascultată de ei. Columbia Record Club s-a asigurat că înregistrările sale aveau o distribuție largă, iar emisiunile sale săptămânale de la Filarmonică au atins un public numeros în întreaga Statele Unite. Nu tot ce a făcut a reușit și a înregistrat (și a jucat) o mulțime de piese mai mici, dar nu a mai existat nimeni ca el în New York de la Toscanini, nici măcar măiestrul Stokowski. El a fost Lenny al nostru, iar umbra lui încă cade peste Filarmonică.

Lista înregistrărilor lui Bernstein cu Filarmonica este enormă. În discografia Filarmonicii lui James North ocupă douăsprezece pagini, în timp ce majoritatea dirijorilor permanenți au în jur de două. Centenarul nașterii lui Bernstein cade în 2018, iar Sony a lansat un set de 100 de CD-uri „remasterizat” care îl comemorează (541714), un set care omite încă multe articole importante.

Setul Filarmonicii are multe alegeri bune și multe opțiuni respingătoare. Sunt neprețuite aici a doua simfonie a lui Charles Ives, a treia a lui Roy Harris, a cincea a lui Shostakovich (o interpretare care a încântat compozitorul), a doua și a treia lui Mahler (aceasta din urmă a interpretat în memoria lui Mitropoulos), două dintre simfoniile de la Paris ale lui Haydn, a treia a lui Carl Goldmark, a cincea a lui Carl Nielsen (o lectură electrizantă), patru partituri Aaron Copland, unele Samuel Barber, altele George Gershwin. Aceștia sunt toți Lenny în vârful jocului său. Și aici sunt adesea interpretate în mod interesant partituri franceze, precum și momente fascinante în piese mai mici. (Uvertura sa față de Rossini La Gazza Ladra și asta pentru a lui Candide sunt clasice ambele sunt aici.) Și există o mulțime de trivia populare care au menținut Columbia Records. Mult.

Problema setului este ceea ce nu ar fi fost aici dacă ar fi fost eliminat lemnul mort. În mod neașteptat, Bernstein a fost un mare interpret al lui Haydn și Beethoven. Deci, unde sunt Haydn’s Londra simfonii și majoritatea lui Lenny’s Beethoven: magisterialul pentru vioară (cu Isaac Stern), uimitoarea a cincea simfonie și, mai presus de toate, uimitorul Missa Solemnis? Unde sunt simfoniile a șaptea și a zecea Mahler, inegalabile și astăzi? Unde sunt piesele americane pe care le-a susținut atât: a treia simfonie a lui William Schuman, a treia a lui Ives și Sărbători Simfonii, a doua a lui Randall Thompson, a lui Gershwin Rapsodia în albastru (cu Lenny ca pianist)? Și unde sunt a cincea simfonie a lui Sibelius, simfonia în mi-plat a lui Paul Hindemith și, mai presus de toate, cea a lui Franz Liszt Faust Simfonie, a cărei mișcare de deschidere este cea mai perfectă expunere a sensibilității romantice pe care o vom întâlni vreodată? Și mai departe am putea merge.

Mai înțelegător lipsesc spectacolele live. Filarmonica însăși a emis o cutie din acestea (Filarmonica din New York: Bernstein Live 10 CD-uri), iar altele sunt împrăștiate prin intermediul lor Emisiuni istorice, 1923–1987 (10 CD-uri) și American Celebration (două volume 10 CD-uri) seturi de cutii. (Cele mai multe dintre acestea sunt disponibile din magazinul online al orchestrei.) Sunt deosebit de frapante cele trei seri Wagner lipsă cu Eileen Farrell (Leonard Bernstein îl conduce pe Wagner [Gala GL 100.613 3 CD-uri]). Ca și în cazul CD-urilor comerciale omise (sau trecute cu vederea), am putea continua.

Se spune că nimeni nu este indispensabil. Cu toate acestea, odată cu vârsta, aflăm că există cazuri în care acest lucru pur și simplu nu este adevărat, iar Bernstein, la fel ca Toscanini, a fost unul dintre aceste cazuri. Filarmonica ar petrece zeci de ani încercând să-l înlocuiască - fără îndoială, încă o face. Din fericire, când s-a încheiat funcția sa oficială în 1969, s-a întors des și a făcut înregistrări până la moartea sa. Dar Filarmonica avea încă nevoie de un dirijor permanent și, în încercarea de a fi „cu el” și de a continua munca lui Bernstein (și a lui Mitropoulos) de a trage New Yorkul lovind și țipând în secolul al XX-lea, l-a angajat pe Pierre Boulez.

Boulez începuse la Paris ca un enfant teribil, dar în anii 1960 a apelat la dirijarea unor orchestre mari, făcând prozelitism pentru muzica modernă care trebuia ascultată. A lucrat cu BBC Symphony din Londra în perioada 1964-1969, după care a acceptat oferta din New York. El a fost responsabil acolo între 1971 și 1977 și a făcut înregistrări cu Filarmonica în acea perioadă.

Boulez nu a tolerat nimic din prostia pe care orchestra o impunea noilor dirijori. Avea o memorie cuprinzătoare și un ton perfect și a observat totul, a corectat totul și a apărut ca să lovească teroarea în sufletele muzicienilor. Datorită afilierilor sale internaționale, Boulez a înregistrat atât cu orchestre britanice, cât și americane, iar singurul său proiect de înregistrare la scară largă în New York a fost muzica lui Ravel. Setul de cutii include completul său glorios Daphnis și Chloe și alte câteva piese, inclusiv infamul Bolero. Completul lui Mama Gâscă, de asemenea inclus, este frumos modelat și jucat și complet lipsit de farmec, la fel ca o mare parte din opera sa. De asemenea, sunt incluse lucrări de Schoenberg, Berg, Béla Bartók, Stravinsky și Edgard Varèse (un uluitor Amériques).

Un CD a fost irosit pe Handel, care ar fi fost mai bine folosit pentru strălucitorul său Stravinsky Firebird, sau a treia simfonie a lui Albert Roussel sau a lui Varèse Arcane și Ionizare. În concert, el a încercat muzica din secolele anterioare („repertoriul de bază” din nou), dar a avut un succes enorm - festivalul său de la Liszt a fost fără nicio urmă de ardoare romantică. Cu toate acestea, ceea ce a făcut bine a fost făcut cu o abilitate și o convingere enorme și a trebuit disperat să fie făcut pentru publicul conservator din New York.

În New York totul se schimbă, tot timpul. În 1976, la sfârșitul mandatului lui Boulez, Philharmonic Hall a fost sever renovată în Avery Fisher Hall. Întregul auditoriu a fost suspendat pentru a reduce zgomotul de la metrou sub el, necesitând îndepărtarea organului. (O schimbare greșită.) Scaunele au fost reconfigurate, iar interiorul a fost vopsit într-un alb murdar. S-a îmbunătățit acustica? Unii, nu foarte mulți. Dar activitățile de înregistrare ale orchestrei au fost returnate în sala refăcută.

În 1977, consiliul de conducere al orchestrei a decis că tineretul și viitorul au fost suficient de slujiți și aduși în Zubin Mehta. Zubie Baby, așa cum i se spunea, avea o înfățișare bună, glamour, experiență și un fundal vienez care îi va readuce pe „Marii clasici” la New York. Tot ce îi lipsea era orice implicare semnificativă sau o perspectivă asupra unei mari părți din muzica pe care o cânta. A fost director muzical al Filarmonicii din 1978 până în 1991 și a înregistrat înregistrări din septembrie 1977 până în mai 1991, deși cele stabilite după sfârșitul anului 1989 sunt pe Teldec (acum Warner Classics) și nu sunt incluse în set. Cele mai interesante înregistrări ale sale sunt lucrări americane mai puțin cunoscute, realizate pentru New World Records, la fel lipsesc aici.

Blițul lui Mehta nu i-a îmbunătățit vânzările record, un eșec care nu a fost în întregime vina lui. Columbia, care a devenit CBS Masterworks în 1980, și-a menținut activitatea de înregistrare concentrată pe repertoriul de bază, în ciuda programării sale de concerte mai de anvergură și destul de imaginative, iar setul de boxe reflectă acest lucru. Astfel, aici avem un Verdi acceptabil din 1980 Recviem, întrucât curatorii ar fi putut alege mai bine marele 1983 al lui Schoenberg Gurre-Lieder, pe care Mehta l-a interpretat atât în ​​acel an, cât și în 1991 (la rămas bun), de ambele ori cu mare apreciere. Ceea ce CBS a ales să-și stabilească clienții deținea deja în mare parte, chiar și Gurre-Lieder într-o lectură neobișnuită de romantică, luxuriantă, din 1974, cu BBC Symphony, tot pe Columbia. Nu prea este din Mehta aici: unii Richard Strauss, unii Ravel, muzică din filmul lui Woody Allen Manhattan (De ce?). Filarmonica de-a lungul timpului cântă expert. Mehta i-a ținut sub frâu strâns, în beneficiul tuturor. Totuși, așa cum a remarcat cineva odată, „marele defect al lui Mehta a fost că în zilele de concert și-a economisit energia pentru petrecerile de după concert”. Zubie Baby.

Marea schimbare din timpul mandatului lui Mehta a venit în trecerea la înregistrarea digitală. În mai 1979, el și Filarmonica au realizat primul LP digital al CBS, al lui Stravinsky Petruchka (neincluse aici). După 1983, cifrele vor migra de la vinil la noul suport de disc compact sau CD, cea mai profundă schimbare în tehnologia de înregistrare de la introducerea înregistrării electrice în anii 1920.

La plecarea lui Mehta, CBS nu mai era singura etichetă a Filarmonicii. Bernstein a continuat să înregistreze cu orchestra la Deutsche Grammophon și i s-a alăturat pe acea etichetă Giuseppe Sinopoli, care a condus la New York un repertoriu variat în spectacole foarte variabile - deși fără a dirija grupul în concert foarte des.

Mehta a fost urmat din 1991 până în 2001 de Kurt Masur, fostul director al Gewandhaus-ului din Leipzig și primul dirijor al Filarmonicii în a cărui selecție muzicienii au avut un cuvânt de spus major. Majoritatea înregistrărilor lui Masur cu orchestra au fost realizate de Teldec, care acum face parte din Warner Classics, deci puține sunt aici. Cele mai multe dintre acestea erau din repertoriul de bază, cu câteva excursii în titluri puțin mai aventuroase. CBS, care a devenit Sony Masterworks în 1991, a semnat grupul o singură dată, pentru a însoți violoncelistul Yo-Yo Ma în două concerte asociate cu New York, de Dvořák și Victor Herbert. Dvořák este aici, dar Herbert ar fi fost o alegere mai bună, întrucât a fost scris și premierat de Filarmonica sub Seidl în 1894.

Toată lumea l-a iubit pe Masur (în afară de directorul executiv Deborah Borda, despre care se spune că este principalul motiv pentru care a plecat), iar Filarmonica a publicat ambele o carte fastuoasă despre mandatul său, Kurt Masur la Filarmonica din New York (2001), și a lansat un set omonim de 10 CD-uri de spectacole live pe care Masur însuși le-a ales, conținând atât elemente centrale (a 9-a simfonie a lui Beethoven, cât și Missa Solemnis) și mai multe articole ezoterice (Honegger’s Jeanne d’Arc au bûcher, Stravinsky’s Perséphone). Masur a beneficiat de asemenea de o renovare din 1992 a Avery Fisher Hall, în special a scenei. Interiorul este acum de un maro cald. Din nou, acustica a fost îmbunătățită - oarecum.

În ciuda dragostei sale cu jucătorii, Masur a fost disciplinar, așa că au jucat bine. Cu toate acestea, el era un Kapellmeister, ceea ce însemna că un repertoriu puternic austro-german a fost prezentat în limite interpretative stricte. De entuziasm și inspirație specială înregistrările sale arată puține dovezi.

Masur este ultimul dirijor care a apărut în caseta Filarmonicii, iar concertul său Dvořák a fost stabilit în 1995. După șederea sa, înregistrările orchestrei ca artefacte fizice au dispărut în mare parte, înlocuite de descărcări digitale preluate din concerte (în format „comprimat” .mp3 ) sau transmisiuni în flux. Cu Lorin Maazel, regizor din 2001 până în 2009, câteva CD-uri au fost publicate de Deutsche Grammophon cu alte câteva pe alte etichete, dar majoritatea înregistrărilor sale Filarmonicii, inclusiv un ciclu complet simfonic live Mahler, sunt disponibile doar ca descărcări de pe site-ul orchestrei. . Acesta este și cazul succesorului lui Maazel din 2009 până în 2017, Alan Gilbert, care cel puțin ne-a lăsat un set de patru CD-uri Carl Nielsen pe eticheta daneză Dacapo (6200003), dintre care unele elemente sunt excepționale (Simfonii trei, cinci, și Șase, și concertele) și unele obișnuite.

Ce va face succesorul lui Gilbert, Jaap van Zweden? El a realizat deja CD-uri cu toate simfoniile Beethoven, Bruckner și Brahms - și unele din Mahler’s - cu alte orchestre. El și Filarmonica par să aibă un nou contract cu Decca: Simfoniile a cincea și a șaptea ale lui Beethoven tocmai au fost lansate pe CD (Decca 279560). Descărcările cel mai probabil vor continua, se speră un sunet cu rezoluție mai mare: .mp3 nu este un mediu serios pentru sonoritățile unei mari orchestre din secolul nostru. Deborah Borda intenționează să refacă - nu să reconstruiască - sala (acum David Geffen Hall) încă o dată. Din acest moment, ca de multe ori în New York, totul este în aer.

Deci, ce ne oferă acest set? Orchestra în sine a rămas un grup preeminent pe tot parcursul timpului parcurs. A avut întotdeauna o sonoritate flexibilă, dacă nu întotdeauna una sonoră, care s-a încurajat. (Virgil Thomson s-a plâns de „tonul său din fontă”.) Înregistrat (deși nu întotdeauna concertat), alama sa a fost remarcabilă, corzile capabile de orice a fost cerut - în special de un dirijor exigent - și vânturile sale distincte (dacă prea des suprimat sau „amestecat”). La fel ca majoritatea orchestrelor, în anii 1970 a dobândit un sunet mai generic, pe care l-a păstrat până în prezent. Adică, sună ca majoritatea celorlalte orchestre de prim rang din zilele noastre, deși joacă mai bine decât majoritatea.

Setul de cutii luminează, de asemenea, schimbările calitative ale sunetului înregistrat în secolul trecut, conținând, de la acustic la timbre orchestrale capturate digital. Acest lucru ar fi probabil mai clar dacă restaurările ar fi fost făcute, precum și cele concurente din alte surse. Unele modificări aici sunt îmbunătățiri. Aparent, Sony a redus impactul distorsiunilor produse de editare de benzi, microfoane multiple și plăci de mixare, în special în anii 1960: ceea ce s-a jucat nu a fost neapărat ceea ce a ascultat ascultătorul acasă. Mai puțin util, dintr-o perspectivă documentară, deși este de înțeles, setul nu are transferuri de CD-uri ale înregistrărilor digitale .mp3 de astăzi ale Filarmonicii, în mare parte emise de orchestră, ale căror sonorii comprimate ne duc înapoi, nu în acel viitor glorios al reprezentării pe deplin exacte care speram. Mai trebuie să auzim Filarmonica în sala sa - chiar și în starea actuală - pentru a aprecia ce ansamblu splendid este.

Valoarea principală a acestui set extins, și a altora ca acesta, este capacitatea sa de a ne reaminti - sau de a le prezenta unora pentru prima dată - realizările Filarmonicii din New York în trecutul său glorios. Prezintă lideri importanți și realizările lor, jucători importanți și performanțele lor, muzică importantă și stiluri uitate de a juca. Setul recuperează, de asemenea, lupta de a capta sunetul grupului în medii în evoluție și de a-l păstra în artefacte de disc sau bandă. Restaurările sale pot fi adesea îmbunătățite în altă parte și conținutul său poate (și ar trebui) să fie completat extensiv. Dar prezintă din nou o orchestră grozavă, o orchestră veche, condusă de mulți artiști mari și creativi, așa cum s-a auzit în casele din secolul trecut. Mai presus de toate, scrie Filarmonicii „La mulți ani”. Să sperăm la multe reveniri fericite.


Leonard Bernstein la 100 de ani

Arhivele Filarmonicii din New York, care servesc drept depozit pentru mai mult de 165 de ani de istorie a Filarmonicii, este una dintre cele mai vechi și mai importante colecții de cercetare orchestrală din lume. Urmărește întreaga istorie a Filarmonicii și cele peste 15.000 de spectacole din întreaga lume și este un record important de istorie culturală în New York City.

Arhivele au pus recent la dispoziție online vasta istorie a spectacolelor Orchestrei - cea mai mare istorie a spectacolelor din lume - pentru căutare ușoară și interogări specifice.

În prezent, Philharmonic Archives se angajează într-un efort major de conservare digitală și punere la dispoziția publicului a colecției multimedia Leonard Bernstein, finanțată prin programul Save America’s Treasures.

În februarie, datorită generozității Fundației Leon Levy, Arhivele Digitale ale Filarmonicii au lansat prima fază a ceea ce este denumită Era Internațională. Această perioadă de timp a fost selectată din mai multe motive. Este momentul în care Statele Unite devin o putere mondială și New York City capitala culturală, când Filarmonica din New York apare ca un simbol mondial al acestei noi poziții culturale, când Guvernul începe să finanțeze artele atunci când femeile se alătură Orchestrei când Filarmonica deschide Lincoln Center for the Performing Arts când muzicienii Orchestrei câștigă contracte de 52 de săptămâni când televiziunea devine flux principal și se inventează palmaresul Long Playing și este momentul conducerii lui Leonard Bernstein.

The Era internațională este perioada de timp cu cea mai mare varietate de formate pentru arhivele digitale, permițându-ne să ne testăm ipotezele despre căutarea în formate de documente: scoruri, programe, decupaje de presă, documente comerciale, imagini, filme, audio și video. Chiar dacă sunetul și videoclipul disponibile în prezent sunt doar mostre, acestea includ difuzarea radio a debutului de dirijor al lui Bernstein în 1943, prima mișcare a Simfoniei nr. 9 a lui Mahler din 1965 (urmați în partitura sa în timp ce ascultați) și un extras din Filarmonica Turneu la Moscova din 1959, care îl arată pe Șostakovici salutându-l pe Bernstein pe scenă. O strategie pe termen lung este dezvoltată pentru a face tot acest material disponibil într-un viitor nu atât de îndepărtat.

Până la sfârșitul anului 2012, toate materialele de arhivă din 1943 până în 1970, de la scrisorile președinților până la cea mai mică bucată de hârtie, vor fi disponibile în Arhivele digitale - aproximativ 1,3 milioane de pagini.

Filarmonica din New York are una dintre cele mai mari colecții de partituri din lume, creată în principal din biblioteca orchestrei care a început să achiziționeze partituri în 1842. Numărând aproape 15.000 de articole, colecția conține primele ediții rare, precum și materialul folosit și marcat de Directorii muzicali ai orchestrei și dirijorii invitați, inclusiv Gustav Mahler, Leonard Bernstein, Erich Leinsdorf, Bruno Walter și Andre Kostelanetz. Astăzi, 1100 de sute de scoruri marcate de Bernstein, Kostelanetz și un cuplu de Mahler sunt vizibile.

Arhivele păstrează 84.000 de pagini de decupaje de presă, unele datând din anii 1890 cu mai mult de 27.000 de imagini (fotografii, desene, postere, diapozitive pentru lanterne și folii transparente) și un set complet de programe ale Filarmonicii din New York (1842 până în prezent) .

În prima lună, peste 22.000 de vizitatori unici au venit la Arhivele digitale. După Statele Unite, Japonia și Germania au oferit cel mai mare număr de vizitatori. Scorul Mahler 9 al lui Bernstein a fost vizionat de 6546 de ori. Șase persoane din Kootenai, Idaho (pop 441) au căutat sonata pentru Bernstein sau clarinet sau Brahms. Un utilizator din Pensacola, Florida, a petrecut 2 ore și 15 minute cu scorul lui Bernstein din Planetele lui Holst. Un utilizator de la baza Forțelor Aeriene Offutt din Nebraska a căutat 25 de pagini, iar 11 vizitatori din Guatemala au avut în medie 10:42 minute pe site. Este un început minunat.

La sfârșitul lunii februarie, Arhivele Digitale ale Filarmonicii din New York au lansat 550.000 de pagini de piese muzicale marcate de muzicieni Filarmonică. Cota de leu a fost cea folosită pentru spectacolele lui Leonard Bernstein. Cu cele mai multe partituri marcate ale dirijorului Bernstein lansate acum doi ani, piesele arată acum o altă latură a acelor spectacole: nu doar instrucțiunile dirijorului, ci și câteva „trucuri” folosite de muzicieni pentru a trece printr-un pasaj dificil, sau propriul simț ciudat al umorului, al frustrării sau al ușurării atunci când o lucrare lungă este în sfârșit terminată.

Dan Wakin din The New York Times a scris: „Partituri pe suporturi de muzică oferă foaia de parcurs pentru interpretarea unei orchestre, dar adnotările mâzgălite ale jucătorilor impun ideile unui dirijor și servesc drept simple memento-uri pentru a face o intrare sau a număra corect. Simbolul universal de urmărit! - o schiță de ochelari de vedere - abundă, împreună cu marcaje dinamice și memento-uri adăugate în partea din stânga sus a paginii cu câte măsuri de odihnă au fost notate în partea de jos a unei pagini anterioare, un semn al modului în care creierul uman trebuie să fie amintit concentrați-vă în timpul necesar pentru a întoarce o frunză. Actualizarea Arhivelor Filarmonicii din New York Multe dintre piese sunt semnate de jucătorii principali, cu datele spectacolelor. Este ciudat să vezi linii mici marcând ritmurile oboiului cadență care întrerupe prima mișcare a Simfoniei nr. 5 a lui Beethoven, marcată probabil de principalul oboist al orchestrei, Harold Gomberg ".

Cea mai recentă versiune este culminarea cu succes a unui proiect de trei ani, posibil printr-o subvenție generoasă a Fundației Leon Levy pentru digitalizarea a 1,3 milioane de pagini de material de arhivă din 1943 până în 1970 - sau ceea ce numim Era Internațională - care acoperă timpul din Filarmonica Bernstein a debutat în direcția muzicală până la sfârșitul regiei sale muzicale cu orchestra.

Lansarea recentă a avut loc în campusul Universității din Michigan, sponsorizat de Școala de Științe de Muzică și Informații, și a fost marcată de o prezentare webcast live a proiectului de către arhivistul și istoricul Philharmonic Barbara Haws și directorul de arhive digitale Mitchell Brodsky.

De la lansarea proiectului, au avut loc peste 210.000 de vizite din 135 de țări. Scorul lui Leonard Bernstein pentru al nouălea Mahler a fost studiat de 25.000 de ori! De la lansarea pieselor, vizitatorii săptămânali s-au triplat cu peste 5.000.

Din punct de vedere personal, Robin Brightman, un lider de orchestră din Maidstone Kent din Marea Britanie a scris: „Bowings este o tradiție, o filozofie - ceva care este sărat de-a lungul generațiilor, nu ceva pe care liderul îl pune ca un ferăstrău. Și acum arhiva dvs. este deschisă publicului - bowings de la Bernstein și companie. Acesta este un serviciu cu adevărat excelent. . . Nu pot să vă spun cât sunt peste lună. ”

Barbara Haws este arhivist și istoric al Filarmonicii din New York din 1984.


Carnegie Hall

Leonard Bernstein și mdash & ldquo Lenny & rdquo & mdash și-au făcut debutul în Carnegie Hall pe 14 noiembrie 1943, înlocuind cu câteva ore și înștiințare pe Bruno Walter aflat în suferință, care era programat să dirijeze Filarmonica din New York. Între 1943 și 1990, Bernstein a apărut la Sala de aproape 450 de ori ca dirijor, pianist, compozitor și educator, inclusiv faimosul televizor. Concerte pentru tineri și rsquos. A lui Rugăciunea de deschidere a fost prima comisie din Carnegie Hall, iar lucrarea sa a fost interpretată la Sala de peste 700 de ori. Apariția finală a maestrului & rsquos a avut loc pe 3 martie 1990, dirijând Orchestra Filarmonicii din Viena.

Pot să trăiesc într-o zi fără să aud muzică, să o joc, să o studiez sau să mă gândesc la ea. & rdquo

Din Arhive

Program semnat de Bernstein, 1943 (prin amabilitatea Arhivelor Carnegie Hall) Flyer pentru concertul beneficiu United Jewish Appeal, 1948 (prin amabilitatea Carnegie Hall Archives) Bernstein, Isaac Stern și Filarmonica din New York, 1960 (Fotografie de Ben Martin) Scor pentru Bernstein & rsquos Opening Prayer, 1981 (Amabilitatea Arhivelor Carnegie Hall)

Când Bernstein a dirijat Stravinsky, muzica modernă a devenit în viață

Un set de cutii de înregistrări îl împerechează pe Stravinsky, la 50 de ani după moartea sa, cu dirijorul care și-a susținut lucrările.

Pe 6 aprilie 1971, o zi primăvară plăcută în New Haven, Conn., Am ajuns la clădirea principală a Școlii de muzică Yale puțin târziu pentru o lecție de pian. Dar m-am oprit la ușa din față. Cineva scrisese o mică carte albă: „Igor Stravinsky a murit astăzi”.

Aceste patru cuvinte m-au uimit. Stravinsky fusese până acum central în întreaga durată a muzicii din secolul al XX-lea. „Ritul său de primăvară”, din 1913, făcuse parte din crearea modernismului - ceea ce părea a fi istoria antică. Totuși, într-o clasă de analiză, în același semestru din 1971, am studiat scorul a ceea ce era încă o piesă destul de nouă - extraordinarul său „Requiem Canticles”, din 1966 - încercând să înțeleagă modurile în care adaptase tehnica cu 12 tonuri la a sa se termină. Părea aproape să întruchipeze întreaga muzică modernă și diversele stiluri ale acesteia. Ce s-ar întâmpla acum că a dispărut?

Fusesem fan Stravinsky încă de la adolescență, când ascultam repetat înregistrarea pe care a condus-o „Firebird”. Cel mai aproape l-am vizitat personal în primăvara anului 1966. Tocmai absolvisem liceul și participam la toate programele unui festival Stravinsky prezentat de Filarmonica din New York. Concertul final s-a încheiat cu compozitorul care a condus o interpretare a „Simfoniei Psalmilor”. Nu vă pot spune câți muzicieni am întâlnit de atunci și care m-au invidiat că sunt acolo în ziua aceea.

Stravinsky a fost în audiență pentru primul program, care a fost condus de Leonard Bernstein și s-a încheiat cu „Ritul primăverii”. Chiar și astăzi, acea piesă are încă puterea de a șoca. Pe atunci, când nu era la fel de familiar, muzica părea cu adevărat uluitoare, mai ales în interpretarea misterioasă și vulcanică a lui Bernstein, dar cumva coezivă și extraordinar de frumoasă.

În timpul aplauzelor, Stravinsky, care era așezat în partea din față a primului nivel, s-a ridicat, a zâmbit și a făcut semn cu mulțumiri către Bernstein și muzicienii orchestrei. În timpul pauzei, el rămăsese pe scaunul său, iar ușierii țineau departe studenții ca mine. Dar m-am apropiat suficient de mult ca să-i fac semn cu mâna cu nerăbdare, cred că m-a văzut.

Stravinsky și Bernstein erau legate în mintea mea: cel mai mare compozitor viu din lume și cel mai mare (și cu siguranță cel mai faimos) campion al său. Această reputație a rămas: pentru a comemora cea de-a 50-a aniversare a morții lui Stravinsky, Sony a lansat un set de boxe care împerechează acești doi artiști.

Cu toate acestea, discografia lui Bernstein Stravinsky este de fapt frustrant de mică, setul Sony conține doar șase discuri. Chiar și în sala de concerte, Bernstein nu a dirijat gama de opere Stravinsky pe care ar putea să le aibă - spre deosebire de abordarea cuprinzătoare pe care a adoptat-o, de exemplu, pentru simfoniile lui Mahler.

Începând cu anii 1950, când Stravinsky era încă un compozitor provocator pentru majoritatea publicului, Bernstein a condus relatări despre piese care l-au obligat în mod clar, în special „Ritul de primăvară” și „Pasărea de foc”, precum și lucrări seminale din Neoclasicul lui Stravinsky. perioadă, precum Simfonia în trei mișcări, Concertul pentru pian și instrumente de suflat, Simfonia Psalmilor și multe altele.

„Ritul”, semnătura lui Bernstein, a apărut în continuare, chiar și la unul dintre concertele sale pentru tineri filarmonici, în 1958, care s-a deschis cu Simfonia nr. 104 a lui Haydn, urmată de Stravinsky. Bernstein trebuie să fi crezut că ai putea, la fel de bine, să începi studenții la începutul „ritului” și să le arăți cum ar putea suna cu adevărat muzica „clasică”. Vă puteți imagina că este prezentat astăzi ca un program educațional?

Câteva dintre înregistrările din setul Sony sunt clasice, incluzând două relatări ale „ritului”: versiunea originală a lui Bernstein din 1958 cu Filarmonica și relatarea sa reconsiderată, încă topită, totuși mai grea și mai grea din 1972 cu Orchestra Simfonică din Londra.

Revelația, pentru mine, este un disc care împerechează două înregistrări mai puțin cunoscute: „Symphony of Psalms”, din 1972, cu London Symphony Orchestra și English Bach Festival Chorus și opera-oratorio „Oedipus Rex”, înregistrat mai târziu. în acel an cu Boston Symphony Orchestra, câțiva cântăreți excelenți (inclusiv tenorul René Kollo în rolul lui Oedip și mezzosoprana Tatiana Troyanos în rolul Jocasta) și Harvard Glee Club. Acel „Oedip” a fost înregistrat la Symphony Hall din Boston, împreună cu Norton Lectures pe care Bernstein le-a susținut la Harvard în 1973.

În a șasea și ultima dintre aceste prelegeri, „Poezia Pământului”, Bernstein discută despre incongruențele stilistice intenționate din lucrările neoclasice ale lui Stravinsky, evidențiind „Simfonia Psalmilor”, obținută neobișnuit pentru cor în patru părți și o orchestră cu corzi (fără vioare sau viole), vânturi de lemn (cu excepția clarinetelor), alamă și percuție, inclusiv două piane. Corul cântă versiuni latine ale a trei texte psalmice, muzica privește înapoi la moștenirea operelor vocale sacre, totuși printr-o austeră prismă contemporană. Prima mișcare, un set de versete din Psalmul 38 („Ascultă rugăciunea mea, Doamne”), este o „rugăciune cu dinți în ea, o rugăciune din oțel”, a spus Bernstein în prelegerea sa. „Ne încalcă așteptările, ne spulberă cu ironia sa”.

Bernstein dă viață acelor calități în înregistrarea sa, chiar din ceea ce el a numit „brusc, uimitor, împușcat cu o coardă” care deschide mișcarea, urmat imediat de „un fel de exerciții cu degetele bachiene”. Tempo-ul este îndrăzneț frânat. Texturile instrumentale sunt întunecate și greoaie, dar rămân uscate și lucide. Coraliștii sună solemn și stoic la suprafață, dar vine o margine rugătoare, aproape disperată a cântării lor.

Întreaga performanță evoluează în acest fel, Bernstein concentrându-se pe armoniile tarte ale lui Stravinsky, chiar și în cea de-a doua mișcare lentă foarte frumoasă. Setarea corală contraintuitivă a cuvântului „aleluia” a lui Stravinsky, care deschide cea de-a treia mișcare cu acorduri care sună tânjitoare și aproape deznădăjduite, se confruntă cu afectarea intensității. La început, am crezut că Bernstein ar fi putut merge prea departe cu abordarea sa - că performanța generală se apropie de plonjare. Nu asa. Acum este versiunea mea preferată.

Bernstein a realizat înregistrarea „Oedipus Rex” în mod esențial, astfel încât să poată folosi aceasta pentru a demonstra câteva puncte în acea ultimă prelegere Norton despre nealianțele stilistice. El a susținut că, atunci când a compus această abordare a tragediei antice grecești - care folosește o traducere latină a versiunii franceze a lui Jean Cocteau - Stravinsky a găsit cumva rezonanțe cu Verdi, în special „Aida”. Acest lucru ar putea părea incongruent, a spus Bernstein. Dar ceea ce contează, a continuat el să explice, a fost că undeva adânc în conștiința lui Stravinsky „metafora de bază conținută în‘ Aida ’a fost înregistrată, blocată și legată de metafora profundă corespunzătoare din‘ Oedipus Rex ’”.

Partitura „Oedip” începe cu un motiv cu patru note, gros armonizat de cor și orchestră, în care oamenii din Teba îl imploră pe Oedip să salveze orașul de o plagă mortală. Bernstein, în prelegerea sa, leagă în mod convingător acest motiv de o frază rugătoare cântată de Aida, implorând-o pe prințesa Amneris, capturarea și rivalul ei îndrăgostit, să aibă milă de ea.

Performanța lui Bernstein a acestei explozii de deschidere este emfatică și angoasă și semnificativ mai lentă decât în ​​înregistrarea lui Stravinsky. Bernstein menține acel ton grav pe tot parcursul, profitând la maximum de pasaje cu un liric verdian sinuos, care suge fiecare coardă crocantă și, atunci când este cerut, lăsând corul și orchestra să se arunce cu intensitate ritmică tăiată.

Cutia Sony oferă, de asemenea, spectacole foarte clare ale operei de cameră „L'Histoire du Soldat” și Octetul pentru instrumente de suflat, pe care Bernstein le-a înregistrat alături de jucătorii de la Boston Symphony Orchestra în 1947. Îmi plac și relatările Concertului pentru pian și Instrumente de suflat, cu Seymour Lipkin ca solist de pian și „Petrushka” (versiunea din 1947) cu Filarmonica din New York.(Ca bonus, există și o înregistrare a lui Bernstein discutând despre Stravinsky și baletul său „Petrushka”.)

După cum sa dovedit, ultima mea întâlnire directă cu Bernstein a implicat și „Ritul”. În vara anului 1987 la Tanglewood, cu trei ani înainte de moartea sa, a petrecut o săptămână repetiând o orchestră mare de jucători de vârstă universitară pentru o interpretare a piesei. Deși repetițiile erau închise publicului, atunci eram critic independent la The Boston Globe și mi s-a permis să urmăresc. Uneori chiar stăteam pe scenă, în spatele jucătorilor, așa că am putut să-l văd pe Bernstein în timp ce îi înfrunta.

Acești tineri artiști supradotați abia credeau că cel mai celebru muzician clasic din lume îi învăța - și asta, dintre toate piesele. Deși era renumit pentru faptul că era excesiv de emoțional, era un entuziasm de entuziasm, Bernstein în repetiții a fost precis, exigent și impresionant de specific cu descrierile sale despre muzică. Într-un pasaj neliniștit pentru fagoturi, lui Bernstein i s-a părut că jocul era prea nervos și jucăuș.

„Nu este o fanfară”, a spus el. „Ai auzit vreodată un cor rus cântând în note alungite?”

Acesta a fost sunetul și caracterul profund, rezonant pe care și l-a dorit. Și jucătorii au înțeles. În cadrul secțiunii „Spring Rounds”, el a spus că muzica trebuia să fie „un sortiment de gemete și bocete și sunete de troll”. Cuvintele sale au dat naștere din cap colectiv, iar jocul orchestrei a prins viață. Era nefast și sălbatic, fără urmă de caricatură.


La cea de-a 175-a aniversare a Filarmonicii din New York

Pentagramă de curtoazie

Prin una dintre acele coincidențe norocoase, 2017 a fost atât aniversarea a 175 de ani de la fondarea Filarmonicii din New York, cât și a împlinirea a 100 de ani de la prima înregistrare. Pentru a comemora aceste ocazii, Sony / BMG a creat un set de 65 de CD-uri numit Filarmonica din New York: ediția a 175-a aniversare (Sony 533636) care probează lansările orchestrei, de la înregistrarea inițială a lui Josef Stransky a uverturii lui Ambroise Thomas până la Raymond la înregistrarea lui Kurt Masur din 1995 a concertului pentru violoncel al lui Antonín Dvořák cu Yo-Yo Ma. Cu foarte puține excepții, include lansările orchestrei inițial atât pe etichetele RCA Victor, cât și pe cele Columbia. Ceea ce a venit înainte și ceea ce a urmat lipsesc, din motive destul de diferite.

Anterior, din 1842 până în 1917, este ușor de explicat. Înregistrarea sonoră a început abia în 1877, iar înregistrările orchestrale timpurii nu au fost adesea încercate, deoarece sunetul unei orchestre nu putea fi decât aproximat. Disponibile erau intrarea acustică (adică claxonul de înregistrare) și ieșirea neamplificată (din nou prin claxon), toate auzite prin discuri de șelac de 78 rpm redate timp de aproximativ patru minute fiecare. Prin urmare, primii ani ai Filarmonicii sunt nedocumentați din punct de vedere fonic, de la concertul inițial din 1842, care a început cu a cincea simfonie a lui Ludwig van Beethoven, până în epoca maestrilor dirijori, în special a lui Theodore Thomas (1877–91), Anton Seidl (1891–98), și Gustav Mahler (1909–10). Au existat, de asemenea, ani intermediari, mulți dintre ei caracterizați de mai mulți dirijori, o situație inutilă replicată în mulți ani viitori.

Setul Filarmonicii începe cu succesorul lui Mahler, Josef Stransky (1911–23). Calitatea operei sale este contestată, dar se pare că, deși era aventuros în repertoriu, talentele sale erau inegale cu muzica sa aleasă. Înregistrările sale, prima orchestrei, au fost compuse din douăzeci și șase de piese scurte și populare, stabilite în 1917-19. Setul nostru are Raymond uvertură și o lectură prescurtată a mișcării lente a celei de-a Noua Simfonii a lui Dvořák, în premieră de Filarmonica sub Seidl în 1893. După cum subliniază scurtele dar informative note ale Barbara Haws, mai mulți jucători de pe înregistrare au jucat probabil în acea primă reprezentație. Sunetul din 1917 de pe ambele piese este de înțeles grosolan și spune puțin despre orchestră.

După plecarea lui Stransky, Filarmonica din 1923 l-a angajat pe Willem Mengelberg de la Orchestra Concertgebouw din Amsterdam ca dirijor principal. Stransky și Mengelberg au devenit co-dirijori pentru sezonul 1922–23, o situație tipică pentru New York. Mai puțin obișnuit, Mengelberg nu a devenit niciodată singurul dirijor: a împărțit întotdeauna slujba cu unul sau mai mulți alții. Chiar și așa, făcând cea mai mare parte a muncii, a restaurat jocul orchestrei și a realizat o serie de înregistrări cu aceasta din 1922 până în 1930.

În aprilie 1922, 1923 și 1924 Filarmonica și Mengelberg au înregistrat paisprezece piese acustic pentru (RCA) Victor. Sunetul lor este îmbunătățit față de eforturile lui Stransky de cinci ani mai devreme, dar încă brut. Setul include una dintre acestea, prima mișcare (singura parte înregistrată) din a cincea simfonie a lui Beethoven. Însă lucrul la microfoane (și amplificare și difuzoare) la începutul anilor 1920 a revoluționat captarea sunetului și a permis înregistrarea „electrică”, al cărui sunet era capabil să aibă o gamă dinamică și o subtilitate mult mai mare decât permiteau coarnele acustice. Din păcate, mijlocul de livrare a rămas discul de 78 de minute cu o rotație de patru minute, iar sesiunile de înregistrare au fost aranjate pentru a captura piese în aceste bucăți mici, deși unele înregistrări ar putea fi realizate pe film, permițând lungimi mai mari să fie stabilite neîntrerupt. (În spatele acestui lucru se afla adăugarea de sunet la filmele silențioase de la Hollywood de la mijlocul anilor douăzeci.)

RCA Victor între sfârșitul anului 1925 și începutul anului 1930 a adus Mengelberg și Filarmonica în studiourile lor actualizate pentru a realiza aceste noi înregistrări electrice. Din sesiunile din 1925, setul are două piese, una fiind prima înregistrare electrică a orchestrei, uvertura lui Richard Wagner către Olandezul zburător. Din 1928 are ambițioasa înregistrare completă a lui Richard Strauss Ein Heldenleben, în premieră și dedicată lui Mengelberg. Sunetul este destul de bun, iar spectacolul, cu schimbările sale subtile de tempo, demonstrează precizia excepțională și sunetul solid al interpretării orchestrei. Până în 1930, Mengelberg devenise doar un dirijor invitat, dar a înregistrat atunci atât simfoniile Beethoven, cât și a treia, cu Filarmonica. A treia, o lectură superbă, este în set. (Sună mult mai bine pe Pristine PASC 412, împreună cu primul. Toate înregistrările filarmonice ale lui Mengelberg au fost restaurate de Ward Marston [RCA, Biddulph], Mark Obert-Thorn [Biddulph, Pristine] și Andrew Rose [Pristine]. Numai numerele curate [înregistrările din 1928–30 rămân tipărite.)

Este inclusă singura înregistrare a unei opere americane de către Mengelberg, splendidul poem-ton al lui Ernest Schelling O minge de victorie (înregistrat în 1925), după poemul omonim al lui Alfred Noyes din 1920. Mengelberg îl cunoștea pe Schelling pentru că a fondat Concertele pentru tineri ale orchestrei în 1924. Popularizate ulterior de Leonard Bernstein, acestea încă există.

Mengelberg și grupul au fost, de asemenea, implicați în 1926 și 1927 în captarea electrică a sunetului pe film prin „Light-Ray”, de la Brunswick Company, o firmă de furnizare de bowling care a decis să încaseze noua nebunie. (Partea de bowling a companiei prosperă astăzi.) Cea mai mare realizare a sa, o Simfonie completă a lui Pyotr Ceaikovski pe douăsprezece părți, nu a fost niciodată lansată. Dar printre toate acestea s-au strecurat primele înregistrări filarmonice ale lui Arturo Toscanini.

Toscanini s-a alăturat lui Mengelberg și orchestrei în 1926 ca unul dintre mai mulți dirijori invitați. Până în 1927, el și olandezul deveniseră co-dirijori, iar în 1928 i s-a permis să selecteze muzicienii care să rămână din fuziunea Filarmonicii cu Simfonia New York a lui Walter Damrosch, redenumită Filarmonica-Simfonie din New York. (Noul nume ciudat a rămas câteva decenii, dar va fi ignorat aici.) Până în 1929, Mengelberg fusese îndepărtat de statutul de invitat, iar Toscanini a devenit dirijorul principal al Filarmonicii, funcție pe care a ocupat-o până la mijlocul anului 1936.

În anii 1920, maestrul italian trecea de la decenii de muncă operistică la dirijarea orchestrală, la fel cum Mahler făcuse la New York în 1909. Toscanini a dirijat o orchestră simfonică de jucători La Scala intermitent de câțiva ani, dar a fost nou pentru o mare parte din repertoriul standard, așa că, de-a lungul carierei sale filarmonice, o mare parte din muzică a fost proaspătă și interesantă pentru el, determinându-l să experimenteze interpretări. Avea o ureche exactă, o amintire prodigioasă, o abilitate uimitoare de a studia și stăpâni scorurile și o voință de fier (și un temperament feroce) cu care să-și impună ideile. Și nu-i plăcea să facă înregistrări.

Părțile sale „Light-Ray” din Brunswick, două mișcări din muzica lui Felix Mendelssohn pentru Visul unei nopți de vară, nu i-a plăcut. Dar RCA l-a convins să încerce din nou în martie 1929 folosind al lor o nouă metodă, iar Toscanini a stabilit, împreună cu piese mai scurte, ambele ale lui Mozart Haffner Symphony (numărul 35) și Haydn’s Ceas Simfonie (numărul 101). Speranța specială a RCA a fost să înregistreze a cincea simfonie a lui Beethoven pentru a-i însoți pe cei doi ai lui Mengelberg, de preferință într-un concert live. O încercare din 1931 nu i-a plăcut lui Toscanini și nici nu a făcut-o pe alta în 1933. În cele din urmă, a acceptat să stabilească a șaptea simfonie a lui Beethoven în 1936, obținând una dintre cele mai mari înregistrări filarmonice.

Aproape toate aceste lansări comerciale Toscanini împreună cu Filarmonica se află în cutie, inclusiv Beethoven Fifth din 1933. (Brunswick Mendelssohns din 1926 sunt aici mai degrabă decât remake-ul RCA din 1929 al Scherzo.) Ca și în cazul Mengelbergs, s-au făcut încercări alternative de a îmbunătăți sunetul fiecăruia dintre ei. Mark Obert-Thorn a făcut o astfel de restaurare pentru Pearl la sfârșitul anilor 1980 și alta pe cinci CD-uri pentru Naxos în 2002, care a inclus toate filmările înregistrate. (Acesta din urmă a inclus, de asemenea, o restaurare minuțioasă și reușită a lui Beethoven Fifth din anul 1931. Ambele seturi sunt epuizate.) Cel mai bun lucru este restaurarea lui Richard Caniell din 2017 pentru Immortal Performances, Înregistrările Victor au fost restaurate (IPRMS IPCD 1087-3 3 CD-uri), care are atât o mai mare claritate, cât și mai mult corp și greutate în sunetul Filarmonicii. Acest lucru a fost făcut ca o contribuție la 150 de ani de la nașterea lui Toscanini în 2017, a treia cauză de sărbătoare a anului.

După cum știa RCA, adevărata magie Toscanini a putut fi auzită și capturată doar în concerte live, iar acest lucru a devenit cu adevărat posibil doar în aer în ultimele două sezoane ale Filarmonicii maestrului, în primăvara anilor 1935 și 1936. Cu asistența Toscanini Estate, Caniell restaurează multe dintre aceste concerte, inclusiv ciclul Brahms cu șase concerte și încheierea Beethoven Missa Solemnis din 1935 și patru concerte complete (până acum) din 1936. (Un alt CD complet Beethoven este în curs de lansare.) În acestea, în ciuda scrapărilor ocazionale de suprafață, se pot auzi Filarmonica și Toscanini cântând glorios, stabilind standarde de performanță care ar atârna peste grupului și dirijorilor săi pentru deceniile viitoare.

RCA Victor în martie 1932 a surprins și o înregistrare rătăcită de Sir Thomas Beecham, a lui Strauss Don Quijote, care a rezultat din absența lui Toscanini, cauzată de durerea brațului superior, care a lăsat datele pentru a fi completate de către oaspeți. Succesul Beecham din New York cu piesa Strauss a dus la această înregistrare încântătoare, inclusă în cutie. Ca și în cele anterioare Heldenleben, sunetul este destul de bun.

Apoi, la mijlocul anului 1936, Toscanini a părăsit Filarmonica. În afară de Wilhelm Furtwängler, care a fost respins (și, de asemenea, a refuzat), el a propus doi candidați să se succedă, John Barbirolli și Artur Rodzinski. Tânărul, relativ neexperimentat, Barbirolli a fost ales și a început cu orchestra în toamna anului 1936, deschizându-se cu Hector Berlioz Overtură de carnaval roman, care este inclus în setul de cutii. Primul sezon a decurs bine, atât din punct de vedere critic, cât și cu publicul, în mare parte pentru că Barbirolli a jucat majoritatea cu Orchestra sa scoțiană (astăzi Royal Scottish National Orchestra). În anotimpurile ulterioare, a devenit copleșit de toate noile scoruri pe care i se cerea să le învețe și a avut mai puțin succes cu ele. Mai rău, a căzut pradă orchestrei „Am jucat-sub-Toscanini – Cine-crezi-tu-tu-sunt?" sindrom, care a rămas parte din abordarea lor față de dirijori prin anii 1970, când Boulez a oprit-o brusc. (Ei bine, parțial – Zubin Mehta a obținut și acest lucru.) Și neînțelept, era mult mai puțin exigent decât Toscanini: „Dl. Barbirolli ar face bine să-și dea seama că Filarmonica poate sa cântați la fel de bine ca orice orchestră existentă, dar o va face doar dacă este făcută. ” Poziția lui Barbirolli nu a fost ajutată de întoarcerea lui Toscanini la New York în 1937 pentru a dirija Simfonia NBC, creată pentru emisiunile radio de către maestrul, multe emise pe înregistrări de RCA Victor. Criticii s-au înrăutățit față de tânărul englez, în special proaspăt numitul Virgil Thomson, iar Barbirolli a fost tot mai forțat să împartă îndatoririle de conducere cu alții. A durat până la aniversarea a 1942 de ani a orchestrei când, în mijlocul unei serii de „dirijori invitați”, Toscanini a dirijat un ciclu complet de simfonie Beethoven cu Filarmonica. În 1943 Barbirolli nu s-a întors fără voie în Anglia și a restaurat Orchestra Hallé.

Barbirolli a programat lucrări moderne (conservatoare) și compoziții englezești ambele tipuri au înstrăinat publicul, care fusese predat de „Racheta de apreciere a muzicii” (așa cum o numea Thomson) că doar „Marile clasici” contau, în special cele interpretate de Toscanini. Orice altceva era „experimental” și de disprețuit. Majoritatea înregistrărilor lui Barbirolli din 1938 până în 1942 aveau un repertoriu de bază, chiar dacă erau puțin mai puține decât cele ale lui Toscanini, în mare parte pentru că se aflau pe Columbia Records, atunci un rival parvenit cu marca RCA Victor, iar Columbia avea nevoie de astfel de piese pentru a concura. În cutie se află a patra simfonie a lui Franz Schubert, a doua simfonie a lui Brahms și primele două simfonii ale lui Jean Sibelius. Orchestra le face pe toate bine, deși cântă mai puțin precis decât sub Mengelberg sau Toscanini, iar lecturile lui Barbirolli sunt în general necontrolate. (Sibelius este neregulat.) Sunetul lor restaurat aici este destul de turtit. Este servit mult mai bine de restaurările lui Michael Dutton pentru Barbirolli Society, care oferă și CD-uri cu alte concerte comerciale și live ale Filarmonicii, acesta din urmă înregistrând profesional pentru dirijor. (Cele mai multe dintre acestea sunt acum disponibile de pe site-ul Societății Barbirolli.) Având în vedere toate dovezile, Barbirolli s-a descurcat mai bine decât ar avea miturile istoriei Filarmonicii.

Printre dirijorii invitați ai lui Barbirolli s-au numărat Igor Stravinsky, a cărui influentă înregistrare din 1940 a Le sacre du printemps este inclus aici și Beecham, a cărui excelentă simfonie Sibelius din 1942 ar fi trebuit să fie inclusă în 1942. Cel mai important pentru Filarmonică a fost întoarcerea apostolului lui Mahler, exilatul Bruno Walter, care a condus orchestra deseori din 1923 până în 1935. Walter și-a deschis spectacolele pentru invitații la Filarmonică în ianuarie 1941 cu puternica Simfonie a VIII-a a lui Anton Bruckner (Music & amp Arts CD-1106 ) și a lui Mahler Das Lied von der Erde, ambele lucrări romane și nu prea binevenite la New York. Walter s-a stabilit curând și a devenit pilonul principal al Columbia Records al repertoriului austro-german standard, bastionul lor împotriva Toscanini - un alt motiv pentru care Barbirolli a devenit redundant. Setul nostru include atât al treilea Beethoven al lui Walter, cât și a cincea sa simfonie din 1941, realizată în stilul său incipient.

Abordarea lui Toscanini a fost restabilită la Filarmonică de către succesorul lui Barbirolli și prima alegere a lui Toscanini pentru a-l succeda, Artur Rodzinski, care a preluat în toamna anului 1943. Din păcate, prima acțiune notabilă a lui Rodzinski a fost concedierea a paisprezece jucători, inclusiv a concertistului ales de Toscanini. (Uniunea muzicienilor a fost deosebit de nefericită.) El a continuat să reconstruiască orchestra, să îi redea o mare parte din precizie și să interpreteze o gamă largă de programe. Deoarece repertoriul central era înregistrat de Walter, Columbia a avut Rodzinski ramură, în special în compozitori ruși. Setul are Cea de-a șasea simfonie și a patra suită a lui Ceaikovski, A doua simfonie a lui Rachmaninoff și Cea de-a cincea a lui Prokofiev - împreună cu a patra rar auzită a lui Sibelius, toate cu un sunet bun. Acestea ar putea fi completate în mod util de o splendidă Simfonie a 8-a a Shostakovich din breaslă (GHCD 2322). Nu există o mulțime de măturare romantică sau pasiune în niciuna dintre acestea, dar spectacolele lui Rodzinski sunt idiomatice, iar jocul Filarmonicii este asigurat.

Lui Rodzinski i-a plăcut să cânte opere în concert, iar la 25 noiembrie 1945 Filarmonica a difuzat un concert major Wagner cuprinzând „bucăți de sângerare” din Der Ring des Nibelungen precum și actul complet 3 din Die Walküre și sfârșitul scenei de imolare Götterdämmerung, ambele având ca protagonistă soprana Helen Traubel din Metropolitan Opera. Pentru a economisi timp, actul Walküre a fost tăiat la modul standard Met. Dar o înregistrare a actului netăiat a fost făcută în luna precedentă, a fost lansată de Columbia și este listată de Sony în programul box. Din păcate, nu este la fel de publicitar. Sony a inclus în mod eronat concertul propriu-zis, cu reduceri (51 de minute), deși a emis actul complet (61 de minute) în 2001 pe eticheta sa obscură de CD-uri retrospective (SBK 89599). Aceasta înseamnă că Sieglinde nu este publicitatea Irene Jessner, ci Doris Doree a concertului. (Ambele doamne sunt destul de bune.) O restaurare mai bună a concertului cu părțile tăiate adăugate din anii 78 (și note ale acestui autor) a fost emisă de Immortal Performances (IPCD 1093-2). Mai avem nevoie de o reeditare a actului complet înregistrat din luna mai.

Rodzinski l-a adus ca invitat frecvent pe George Szell, la acea vreme dirijând în principal la Met. Szell este o altă omisiune îngrozitoare a setului de cutii, care nu apare deloc în el, deși a condus Filarmonica frecvent din 1943 până în 1970 și a făcut mai multe înregistrări cu ei. La fel ca Rodzinski, discipol Toscanini, Szell a restabilit întotdeauna disciplina grupului, mai ales în perioada Bernstein. Bernstein însuși a debutat la Filarmonică ca invitat în 1943, în timpul mandatului lui Rodzinski. Primul său concert difuzat a fost reeditat pe CD de Filarmonica.

Rodzinski a programat mai aventuros decât Barbirolli și astfel a căzut și în publicul reacționar din New York. A renunțat și la conducere, ducând la demisia sa bruscă în 1947. Bruno Walter a fost de acord să devină „consilier muzical” în timp ce căutarea unui înlocuitor era în desfășurare între 1947 și 1949. (I se ceruse să preia de la Barbirolli în Walter a continuat să înregistreze și a reușit ca Columbia să capteze a patra și a cincea simfonie a maestrului său Mahler cu Filarmonica (1945 și 1947) ambele sunt primele înregistrări și ambele sunt în acest set. Este inclusă, de asemenea, o animată simfonie Dvořák din 1947.

După 1949, înregistrarea sa schimbat, datorită a două modificări majore ale tehnologiei. Beneficiază de artiști, a început să se facă pe bandă magnetică, ceea ce a permis atât o fidelitate sporită a sunetului, cât și o mai mică întrerupere a schimbărilor laterale. În ceea ce privește consumatorul, introducerea unor discuri de lungă durată, sau LP-uri, care se învârteau la 33 1/3 rpm mai degrabă decât la 78 rpm (un beneficiu al îmbunătățirilor motorului în timpul războiului) a însemnat că duratele de redare au crescut de la aproximativ patru minute pe partea de doisprezece inch. până la aproximativ douăzeci și trei de minute. Și discurile erau mai degrabă din plastic („vinilul” de azi) decât șelac și, prin urmare, „incasabile”. (În câte ocazii am auzit exagerări corporative de genul acesta care s-au dovedit a fi neadevărate?)

Ca urmare a acestor schimbări, Walter și-a mărit treptat numărul de înregistrări. În 1949 a condus un ciclu Beethoven cu Filarmonica și a înregistrat toate simfoniile și multe altele în 1951 a făcut același lucru pentru Brahms. Niciuna dintre aceste spectacole memorabile nu este inclusă în set, denaturând imaginea pe care o oferă despre istoria și realizările filarmonice. (Beethoven și Brahms au fost reeditate pe eticheta Sony Archives acum abandonată de Sony cu aproximativ douăzeci de ani în urmă, simfoniile Brahms sunt încă disponibile pe un set anglo-francez pe Sony Classic Recordings [517187 2 CD-uri]. [PABX005 6 CD-uri].) Mai semnificativ ar fi mai mulți Mahler: prima simfonie (1954), a doua simfonie (1958) (Sony SM2K 64447 2 CD-uri) și Das Lied von der Erde (1960) (Sony SMK 64455), ultimii doi folosind următoarea inovație, stereo. The Lied ar trebui completat cu spectacolele live ale lui Walter din 1948 din New York (Kathleen Ferrier, Set Svanholm) (Pristine PACO 137) și 1960 (Maureen Forrester, Richard Lewis) (Music & amp Arts CD-206), acesta din urmă fiind seara festivalului Mahler încheind sărbătoarea centenară a Filarmonicii a nașterii compozitorului. În lumina tuturor acestor activități, lipsa tuturor înregistrărilor Walter după 1947 în cutie este de neiertat.

În 1947, Walter a împărțit podiumul cu trei candidați la conducerea principală: Charles Munch, care a plecat la Boston în 1949, Leopold Stokowski, care probabil ar fi (și ar fi trebuit) să rămână cu grupul, și Dimitri Mitropoulos, care a obținut postul. Toți trei au reprezentare în set. Discul inutil Munch prezintă a treia simfonie a lui Saint-Saëns, pe care a făcut-o mult mai bine la Boston. Mult mai reprezentativ este discul lui Stokowski, cu Olivier Messiaen L’Ascension A șasea simfonie a lui Ralph Vaughan Williams, prima sa înregistrare și câteva articole Wagner. „Stokie” a fost un maestru al tuturor acestor piese, în special a celor moderne, și acesta este un CD valoros. (Toate discurile Filarmonicii lui Stokowski, plus câteva piese live, sunt reproduse pe trei CD-uri Cala, toate din păcate acum epuizate. Legendarul său spectacol live din New York din 1950 a enormei Simfonii a opta a lui Mahler este pe Music & amp Arts CD-1130.)

Dimitri Mitropoulos a preluat Filarmonica în 1949, a fost supus, ca Barbirolli, la o creștere a ostilității critice (și oarecum publice) și, la fel ca Barbirolli și alții, a fost obligat să împărtășească ultimul său sezon cu un nou venit. Dirijorul grec a fost angajat parțial pentru a aduce New York-ul în epoca modernă, în timp ce Walter a menținut repertoriul austro-german de bază. („Modernul” pentru newyorkezi în anii cincizeci a fost aproape orice din jumătatea secolului precedent și nu au vrut să o audă. Muzica contemporană a vremii se descurca și mai rău.) Mitropoulos s-a luptat, a înregistrat o afacere bună, mai ales muzica rusă și unele dintre cele mai bune dintre ele sunt aici, ultimele sesiuni fiind în stereo (în special suitele de la Prokofiev Romeo si Julieta). S-a păstrat mult mai mult în altă parte „în direct” din aer, oferind deseori spectacole mai izbitoare decât cele comerciale.

Setul include spectacolele de concert ale lui Alban Berg Wozzeck, cu Eileen Farrell și Mack Harrell, și cu Arnold Schoenberg Erwartung, cu Dorothy Dow. Conține multe poezii în ton francez și multe piese rusești (de Alexander Borodin, Alexander Scriabin, Ceaikovski, Prokofiev, Șostakovici). Dintre înregistrările comerciale importante ale lui Mitropoulos îi lipsește cele ale lui Hector Berlioz Les Nuits d’Été (cu Eleanor Steber), a lui Claude Debussy La Mer, Lui Morton Gould Legendă Fall River, Concertul pentru pian al lui Leon Kirchner (cu Kirchner), a treia simfonie a lui Peter Mennin, concertele pentru vioară Prokofiev, a cincea simfonie a lui Shostakovich, a patra simfonie a lui Vaughan Williams și altele. Dintre spectacolele sale live, concertele lui Mahler ar trebui să fie ascultate (multe dintre acestea sunt pe Music & amp Arts CD-1021 6 CD-uri), în timp ce concertul său citea Richard Strauss Elektra cu Astrid Varnay, Elena Nicolaidi și Herbert Janssen din 1949 a fost numit de Olin Downes, niciun fan al dirijorului, „unul dintre evenimentele muzicale legendare din istoria acestui oraș” și „uluitor” de Virgil Thomson, un alt non-fan . (Poate fi auzit pe Guild, excelent restaurat de Caniell [GHCD 2213/14 2 CD-uri].)

Mitropoulos a condus în întregime din memorie, a fost aproape mistic implicat în muzica pe care o cânta și a avut frecvent informații speciale despre ea. În multe cazuri, un spectacol Mitropoulos este ca nimeni altcineva, destul de des mai convingător decât alte spectacole. A X-a Simfonie a lui Shostakovich (inclusă în cutie) și Concertul pentru vioară (cu David Oistrakh și, din păcate, neincluse) rămân repere care trebuie stabilite alături de înregistrările creatorului lui Yevgeny Mravinsky. Spectacolele sale live Mahler, alături de Walter, au creat un public din New York pentru dirijorul anterior al Filarmonicii. Din păcate, Mitropoulos nu era un disciplinar, iar orchestra a venit să-l trateze rușinos în felul lor obișnuit.

La mijlocul anului 1956, se pare că Guido Cantelli îl va înlocui pe Mitropoulos cu Filarmonica. (Pristine Audio oferă șapte CD-uri cu aparițiile live ale lui Cantelli împreună cu orchestra.) Dar Cantelli a murit în noiembrie 1956 într-un accident de avion și căutarea a continuat. În curând, postul a fost oferit protejatului lui Mitropoulos, Leonard Bernstein, care a fost co-dirijor pentru sezonul 1957–58. După apariția neplanificată din 1943, Bernstein conducuse Filarmonica ocazional, mai frecvent în anii 1950. El a înregistrat a doua simfonie, Epoca Anxietății, cu ei în 1951 acest lucru este în set. În calitate de nou dirijor permanent, Bernstein a început să înregistreze extensiv cu Filarmonica începând cu 1958. Până în 1989, el a pus împreună cu ei peste două sute de compoziții, cea mai mare parte în stereo, realizate atât pentru Columbia, cât și pentru Deutsche Grammophon (acesta din urmă nu se afla în platou) ). O problemă majoră pentru el a fost locul de înregistrare. În 1962 Bernstein a prezidat deschiderea Philharmonic Hall la noul Lincoln Center (o parte din acest concert este în platou), unde acustica nu a fost niciodată potrivită pentru înregistrări. (Și încă nu sunt, deși mai bune decât în ​​1962.) Dar Columbia a găsit site-uri alternative pentru el, iar utilizările lor tot mai mari de manipulare electronică și editare de benzi „creative” au produs întotdeauna un produs sonor acceptabil - deși nu întotdeauna unul care suna ca ceea ce a fost auzit în hol.

Toate lucrurile s-au unit pentru Lenny, așa cum era numit cu afecțiune. Era educat, articulat, frumos, curios, capabil să stăpânească rapid noi scoruri și să-și transmită entuziasmul atunci când a făcut-o. El a fost extravagant pe podium, dar avea o carismă de ars, iar asta îi asculta ascultătorilor. Era o creatură a epocii stereo LP, când muzica clasică era încă familiară pentru tineri și era ascultată de ei. Columbia Record Club s-a asigurat că înregistrările sale aveau o distribuție largă, iar emisiunile sale săptămânale de la Filarmonică au atins un public numeros în întreaga Statele Unite. Nu tot ce a făcut a reușit și a înregistrat (și a jucat) o mulțime de piese mai mici, dar nu a mai existat nimeni ca el în New York de la Toscanini, nici măcar măiestrul Stokowski. El a fost Lenny al nostru, iar umbra lui încă cade peste Filarmonică.

Lista înregistrărilor lui Bernstein cu Filarmonica este enormă. În discografia Filarmonicii lui James North ocupă douăsprezece pagini, în timp ce majoritatea dirijorilor permanenți au în jur de două. Centenarul nașterii lui Bernstein cade în 2018, iar Sony a lansat un set de 100 de CD-uri „remasterizat” care îl comemorează (541714), un set care omite încă multe articole importante.

Setul Filarmonicii are multe alegeri bune și multe opțiuni respingătoare. Sunt neprețuite aici a doua simfonie a lui Charles Ives, a treia a lui Roy Harris, a cincea a lui Shostakovich (o interpretare care a încântat compozitorul), a doua și a treia lui Mahler (aceasta din urmă a interpretat în memoria lui Mitropoulos), două dintre simfoniile de la Paris ale lui Haydn, a treia a lui Carl Goldmark, a cincea a lui Carl Nielsen (o lectură electrizantă), patru partituri Aaron Copland, unele Samuel Barber, altele George Gershwin. Aceștia sunt toți Lenny în vârful jocului său. Și aici sunt adesea interpretate în mod interesant partituri franceze, precum și momente fascinante în piese mai mici. (Uvertura sa față de Rossini La Gazza Ladra și asta pentru a lui Candide sunt clasice ambele sunt aici.) Și există o mulțime de trivia populare care au menținut Columbia Records. Mult.

Problema setului este ceea ce nu ar fi fost aici dacă ar fi fost eliminat lemnul mort. În mod neașteptat, Bernstein a fost un mare interpret al lui Haydn și Beethoven. Deci, unde sunt Haydn’s Londra simfonii și majoritatea lui Lenny’s Beethoven: magisterialul pentru vioară (cu Isaac Stern), uimitoarea a cincea simfonie și, mai presus de toate, uimitorul Missa Solemnis? Unde sunt simfoniile a șaptea și a zecea Mahler, inegalabile și astăzi? Unde sunt piesele americane pe care le-a susținut atât: a treia simfonie a lui William Schuman, a treia a lui Ives și Sărbători Simfonii, a doua a lui Randall Thompson, a lui Gershwin Rapsodia în albastru (cu Lenny ca pianist)? Și unde sunt a cincea simfonie a lui Sibelius, simfonia în mi-plat a lui Paul Hindemith și, mai presus de toate, cea a lui Franz Liszt Faust Simfonie, a cărei mișcare de deschidere este cea mai perfectă expunere a sensibilității romantice pe care o vom întâlni vreodată? Și mai departe am putea merge.

Mai înțelegător lipsesc spectacolele live. Filarmonica însăși a emis o cutie din acestea (Filarmonica din New York: Bernstein Live 10 CD-uri), iar altele sunt împrăștiate prin intermediul lor Emisiuni istorice, 1923–1987 (10 CD-uri) și American Celebration (două volume 10 CD-uri) seturi de cutii. (Cele mai multe dintre acestea sunt disponibile din magazinul online al orchestrei.) Sunt deosebit de frapante cele trei seri Wagner lipsă cu Eileen Farrell (Leonard Bernstein îl conduce pe Wagner [Gala GL 100.613 3 CD-uri]). Ca și în cazul CD-urilor comerciale omise (sau trecute cu vederea), am putea continua.

Se spune că nimeni nu este indispensabil. Cu toate acestea, odată cu vârsta, aflăm că există cazuri în care acest lucru pur și simplu nu este adevărat, iar Bernstein, la fel ca Toscanini, a fost unul dintre aceste cazuri. Filarmonica ar petrece zeci de ani încercând să-l înlocuiască - fără îndoială, încă o face. Din fericire, când s-a încheiat funcția sa oficială în 1969, s-a întors des și a făcut înregistrări până la moartea sa. Dar Filarmonica avea încă nevoie de un dirijor permanent și, în încercarea de a fi „cu el” și de a continua munca lui Bernstein (și a lui Mitropoulos) de a trage New Yorkul lovind și țipând în secolul al XX-lea, l-a angajat pe Pierre Boulez.

Boulez începuse la Paris ca un enfant teribil, dar în anii 1960 a apelat la dirijarea unor orchestre mari, făcând prozelitism pentru muzica modernă care trebuia ascultată. A lucrat cu BBC Symphony din Londra în perioada 1964-1969, după care a acceptat oferta din New York. El a fost responsabil acolo între 1971 și 1977 și a făcut înregistrări cu Filarmonica în acea perioadă.

Boulez nu a tolerat nimic din prostia pe care orchestra o impunea noilor dirijori. Avea o memorie cuprinzătoare și un ton perfect și a observat totul, a corectat totul și a apărut ca să lovească teroarea în sufletele muzicienilor. Datorită afilierilor sale internaționale, Boulez a înregistrat atât cu orchestre britanice, cât și americane, iar singurul său proiect de înregistrare la scară largă în New York a fost muzica lui Ravel. Setul de cutii include completul său glorios Daphnis și Chloe și alte câteva piese, inclusiv infamul Bolero. Completul lui Mama Gâscă, de asemenea inclus, este frumos modelat și jucat și complet lipsit de farmec, la fel ca o mare parte din opera sa. De asemenea, sunt incluse lucrări de Schoenberg, Berg, Béla Bartók, Stravinsky și Edgard Varèse (un uluitor Amériques).

Un CD a fost irosit pe Handel, care ar fi fost mai bine folosit pentru strălucitorul său Stravinsky Firebird, sau a treia simfonie a lui Albert Roussel sau a lui Varèse Arcane și Ionizare. În concert, el a încercat muzica din secolele anterioare („repertoriul de bază” din nou), dar a avut un succes enorm - festivalul său de la Liszt a fost fără nicio urmă de ardoare romantică. Cu toate acestea, ceea ce a făcut bine a fost făcut cu o abilitate și o convingere enorme și a trebuit disperat să fie făcut pentru publicul conservator din New York.

În New York totul se schimbă, tot timpul. În 1976, la sfârșitul mandatului lui Boulez, Philharmonic Hall a fost sever renovată în Avery Fisher Hall. Întregul auditoriu a fost suspendat pentru a reduce zgomotul de la metrou sub el, necesitând îndepărtarea organului. (O schimbare greșită.) Scaunele au fost reconfigurate, iar interiorul a fost vopsit într-un alb murdar. S-a îmbunătățit acustica? Unii, nu foarte mulți. Dar activitățile de înregistrare ale orchestrei au fost returnate în sala refăcută.

În 1977, consiliul de conducere al orchestrei a decis că tineretul și viitorul au fost suficient de slujiți și aduși în Zubin Mehta. Zubie Baby, așa cum i se spunea, avea o înfățișare bună, glamour, experiență și un fundal vienez care îi va readuce pe „Marii clasici” la New York. Tot ce îi lipsea era orice implicare semnificativă sau o perspectivă asupra unei mari părți din muzica pe care o cânta. A fost director muzical al Filarmonicii din 1978 până în 1991 și a înregistrat înregistrări din septembrie 1977 până în mai 1991, deși cele stabilite după sfârșitul anului 1989 sunt pe Teldec (acum Warner Classics) și nu sunt incluse în set. Cele mai interesante înregistrări ale sale sunt lucrări americane mai puțin cunoscute, realizate pentru New World Records, la fel lipsesc aici.

Blițul lui Mehta nu i-a îmbunătățit vânzările record, un eșec care nu a fost în întregime vina lui. Columbia, care a devenit CBS Masterworks în 1980, și-a menținut activitatea de înregistrare concentrată pe repertoriul de bază, în ciuda programării sale de concerte mai de anvergură și destul de imaginative, iar setul de boxe reflectă acest lucru. Astfel, aici avem un Verdi acceptabil din 1980 Recviem, întrucât curatorii ar fi putut alege mai bine marele 1983 al lui Schoenberg Gurre-Lieder, pe care Mehta l-a interpretat atât în ​​acel an, cât și în 1991 (la rămas bun), de ambele ori cu mare apreciere. Ceea ce CBS a ales să-și stabilească clienții deținea deja în mare parte, chiar și Gurre-Lieder într-o lectură neobișnuită de romantică, luxuriantă, din 1974, cu BBC Symphony, tot pe Columbia. Nu prea este din Mehta aici: unii Richard Strauss, unii Ravel, muzică din filmul lui Woody Allen Manhattan (De ce?). Filarmonica de-a lungul timpului cântă expert. Mehta i-a ținut sub frâu strâns, în beneficiul tuturor. Totuși, așa cum a remarcat cineva odată, „marele defect al lui Mehta a fost că în zilele de concert și-a economisit energia pentru petrecerile de după concert”. Zubie Baby.

Marea schimbare din timpul mandatului lui Mehta a venit în trecerea la înregistrarea digitală. În mai 1979, el și Filarmonica au realizat primul LP digital al CBS, al lui Stravinsky Petruchka (neincluse aici). După 1983, cifrele vor migra de la vinil la noul suport de disc compact sau CD, cea mai profundă schimbare în tehnologia de înregistrare de la introducerea înregistrării electrice în anii 1920.

La plecarea lui Mehta, CBS nu mai era singura etichetă a Filarmonicii. Bernstein a continuat să înregistreze cu orchestra la Deutsche Grammophon și i s-a alăturat pe acea etichetă Giuseppe Sinopoli, care a condus la New York un repertoriu variat în spectacole foarte variabile - deși fără a dirija grupul în concert foarte des.

Mehta a fost urmat din 1991 până în 2001 de Kurt Masur, fostul director al Gewandhaus-ului din Leipzig și primul dirijor al Filarmonicii în a cărui selecție muzicienii au avut un cuvânt de spus major. Majoritatea înregistrărilor lui Masur cu orchestra au fost realizate de Teldec, care acum face parte din Warner Classics, deci puține sunt aici. Cele mai multe dintre acestea erau din repertoriul de bază, cu câteva excursii în titluri puțin mai aventuroase. CBS, care a devenit Sony Masterworks în 1991, a semnat grupul o singură dată, pentru a însoți violoncelistul Yo-Yo Ma în două concerte asociate cu New York, de Dvořák și Victor Herbert. Dvořák este aici, dar Herbert ar fi fost o alegere mai bună, întrucât a fost scris și premierat de Filarmonica sub Seidl în 1894.

Toată lumea l-a iubit pe Masur (în afară de directorul executiv Deborah Borda, despre care se spune că este principalul motiv pentru care a plecat), iar Filarmonica a publicat ambele o carte fastuoasă despre mandatul său, Kurt Masur la Filarmonica din New York (2001), și a lansat un set omonim de 10 CD-uri de spectacole live pe care Masur însuși le-a ales, conținând atât elemente centrale (a 9-a simfonie a lui Beethoven, cât și Missa Solemnis) și mai multe articole ezoterice (Honegger’s Jeanne d’Arc au bûcher, Stravinsky’s Perséphone). Masur a beneficiat de asemenea de o renovare din 1992 a Avery Fisher Hall, în special a scenei. Interiorul este acum de un maro cald. Din nou, acustica a fost îmbunătățită - oarecum.

În ciuda dragostei sale cu jucătorii, Masur a fost disciplinar, așa că au jucat bine. Cu toate acestea, el era un Kapellmeister, ceea ce însemna că un repertoriu puternic austro-german a fost prezentat în limite interpretative stricte. De entuziasm și inspirație specială înregistrările sale arată puține dovezi.

Masur este ultimul dirijor care a apărut în caseta Filarmonicii, iar concertul său Dvořák a fost stabilit în 1995. După șederea sa, înregistrările orchestrei ca artefacte fizice au dispărut în mare parte, înlocuite de descărcări digitale preluate din concerte (în format „comprimat” .mp3 ) sau transmisiuni în flux. Cu Lorin Maazel, regizor din 2001 până în 2009, câteva CD-uri au fost publicate de Deutsche Grammophon cu alte câteva pe alte etichete, dar majoritatea înregistrărilor sale Filarmonicii, inclusiv un ciclu complet simfonic live Mahler, sunt disponibile doar ca descărcări de pe site-ul orchestrei. . Acesta este și cazul succesorului lui Maazel din 2009 până în 2017, Alan Gilbert, care cel puțin ne-a lăsat un set de patru CD-uri Carl Nielsen pe eticheta daneză Dacapo (6200003), dintre care unele elemente sunt excepționale (Simfonii trei, cinci, și Șase, și concertele) și unele obișnuite.

Ce va face succesorul lui Gilbert, Jaap van Zweden? El a realizat deja CD-uri cu toate simfoniile Beethoven, Bruckner și Brahms - și unele din Mahler’s - cu alte orchestre.El și Filarmonica par să aibă un nou contract cu Decca: Simfoniile a cincea și a șaptea ale lui Beethoven tocmai au fost lansate pe CD (Decca 279560). Descărcările cel mai probabil vor continua, se speră un sunet cu rezoluție mai mare: .mp3 nu este un mediu serios pentru sonoritățile unei mari orchestre din secolul nostru. Deborah Borda intenționează să refacă - nu să reconstruiască - sala (acum David Geffen Hall) încă o dată. Din acest moment, ca de multe ori în New York, totul este în aer.

Deci, ce ne oferă acest set? Orchestra în sine a rămas un grup preeminent pe tot parcursul timpului parcurs. A avut întotdeauna o sonoritate flexibilă, dacă nu întotdeauna una sonoră, care s-a încurajat. (Virgil Thomson s-a plâns de „tonul său din fontă”.) Înregistrat (deși nu întotdeauna concertat), alama sa a fost remarcabilă, corzile capabile de orice a fost cerut - în special de un dirijor exigent - și vânturile sale distincte (dacă prea des suprimat sau „amestecat”). La fel ca majoritatea orchestrelor, în anii 1970 a dobândit un sunet mai generic, pe care l-a păstrat până în prezent. Adică, sună ca majoritatea celorlalte orchestre de prim rang din zilele noastre, deși joacă mai bine decât majoritatea.

Setul de cutii luminează, de asemenea, schimbările calitative ale sunetului înregistrat în secolul trecut, conținând, de la acustic la timbre orchestrale capturate digital. Acest lucru ar fi probabil mai clar dacă restaurările ar fi fost făcute, precum și cele concurente din alte surse. Unele modificări aici sunt îmbunătățiri. Aparent, Sony a redus impactul distorsiunilor produse de editare de benzi, microfoane multiple și plăci de mixare, în special în anii 1960: ceea ce s-a jucat nu a fost neapărat ceea ce a ascultat ascultătorul acasă. Mai puțin util, dintr-o perspectivă documentară, deși este de înțeles, setul nu are transferuri de CD-uri ale înregistrărilor digitale .mp3 de astăzi ale Filarmonicii, în mare parte emise de orchestră, ale căror sonorii comprimate ne duc înapoi, nu în acel viitor glorios al reprezentării pe deplin exacte care speram. Mai trebuie să auzim Filarmonica în sala sa - chiar și în starea actuală - pentru a aprecia ce ansamblu splendid este.

Valoarea principală a acestui set extins, și a altora ca acesta, este capacitatea sa de a ne reaminti - sau de a le prezenta unora pentru prima dată - realizările Filarmonicii din New York în trecutul său glorios. Prezintă lideri importanți și realizările lor, jucători importanți și performanțele lor, muzică importantă și stiluri uitate de a juca. Setul recuperează, de asemenea, lupta de a capta sunetul grupului în medii în evoluție și de a-l păstra în artefacte de disc sau bandă. Restaurările sale pot fi adesea îmbunătățite în altă parte și conținutul său poate (și ar trebui) să fie completat extensiv. Dar prezintă din nou o orchestră grozavă, o orchestră veche, condusă de mulți artiști mari și creativi, așa cum s-a auzit în casele din secolul trecut. Mai presus de toate, scrie Filarmonicii „La mulți ani”. Să sperăm la multe reveniri fericite.


Debutul Filarmonicii din New York de Bernstein - ISTORIE

Leonard Bernstein, unul dintre cei mai prodigioși talentați și de succes muzicieni din istoria americană, a murit ieri seară la apartamentul său din Dakota, în partea de vest a Manhattanului. Avea 72 de ani.

Bernstein și purtătoarea de cuvânt, Margaret Carson, au declarat că a murit de un atac de cord cauzat de insuficiența pulmonară progresivă.

Moartea sa a urmat după cinci zile anunțul că domnul Bernstein se va retrage din performanță din cauza problemelor de sănătate. Un fumător puternic pentru cea mai mare parte a vieții sale, suferise de emfizem, infecții pulmonare și o tumoare pleurală.

În ultimele luni, domnul Bernstein a anulat concerte în Japonia și în Charleston, S.C., și un turneu în Europa. El a condus ultima sa reprezentație la Tanglewood pe 19 august, când a condus Boston Symphony în Britten & aposs & apos & apos Four Sea Interlude & apos & apos și Beethoven Seventh Symphony.

Cu mult înainte ca domnul Bernstein să devină, la vârsta de 40 de ani, cel mai tânăr regizor de muzică angajat vreodată de Filarmonica din New York, criticul de teatru Harold Clurman a mărit muzicianul extraordinar și viitorul aposs: & apos & apos

Cu toate acestea, domnul Bernstein și soarta lui au avut mult mai mult decât un succes de rutină. Energiile sale arzând rapid, versatilitatea uimitoare și darurile sale profunde atât pentru muzică, cât și pentru teatru s-au alăturat pentru a-l transforma într-o figură de renume într-o duzină de domenii, printre care muzica simfonică, musical-urile de pe Broadway, baletul, filmele și televiziunea.

Totuși, succesul său cu cap de hidra nu i-a mulțumit tuturor criticilor. În timp ce a fost director muzical al Filarmonicii din 1959 până în 1969, unii prieteni și critici l-au îndemnat să renunțe și să compună muzică de teatru cu normă întreagă. Mulți l-au considerat potențial salvatorul muzicalului american, la care a contribuit cu scoruri pentru & apos & aposOn the Town, & apos & apos & apos & apos Wonderful Town, & apos & apos & apos & apos Candide & apos & apos și & apos & apos West Side Story. & Apos & apos

Determinarea concentrării sale

În același timp, alții îi deplângeau continuarea activității în astfel de domenii, susținând că pentru a fi un lider de succes al unei orchestre majore ar trebui să se concentreze pe dirijat.

Alți observatori ai fenomenului Bernstein și-au dorit să se concentreze asupra baletului, pentru care arătase o afinitate (& apos & aposFancy Free, & apos & apos & apos & aposFacsimile & apos & apos), sau la operă și operetă (& apos & aposTrouble in Tahiti, & apos & apos & apos & aposC.

Sau despre educația muzicală. Programele sale de televiziune pe subiecte precum dirijat, muzică simfonică și jazz au fascinat milioane atunci când a apărut în & apos & aposOmnibus, & apos & apos în seria culturală, iar mai târziu în rolul vedetei Filarmonicii & aposs a televizat Concertele pentru tineri și aposs.

Și alții, câțiva loiali, l-au sfătuit pe domnul Bernstein să-l arunce peste tot și să compună partituri simfonice mai serioase. Darurile sale pe această linie au fost evidente în lucrări precum Simfonia nr. 1 (& apos & apos Jeremiah & apos & apos) din 1942, Symphony No. 2 (& apos & apos The Age of Anxiety & apos & apos) din 1949 și Symphony No. 3 (& apos & apos) Kaddish & apos & apos) din 1963. A cântat bine la pian suficient pentru a fi făcut o carieră separată ca virtuoz. A fost un poet facil. A scris mai multe cărți, printre care popularul & apos & apos The Joy of Music & apos & apos (1959). A fost un profesor de talent comunicativ rar, după cum au descoperit publicul de televiziune.

Dar domnul Bernstein a rezistat hotărât presiunii de a-și restricționa activitățile. În deceniul său ca director muzical Filarmonică și aposs, a crescut constant ca interpret și ca tehnician.

Spectacolele sale de simfonii Mahler și aposs au fost aproape universal recunoscute a fi de cea mai înaltă calitate, iar înregistrările sale pentru Columbia Records ale setului complet nu numai că au constituit prima astfel de colecție integrală, dar au continuat să fie considerate printre cele mai idiomatice spectacole Mahler disponibile. Obsesia sa față de acest compozitor, de fapt, a fost creditată cu generarea boomului Mahler în America.

Direcția sa de opere de compozitori clasici precum Mozart și Haydn, de multe ori ridiculizată în primele sale zile, a atras din ce în ce mai multe laude pe măsură ce cariera sa se desfășura și se putea relaxa puțin. & apos & apos Nu există nimic pe care Lenny să-l poată face și apostul să fie extrem de bine, & apos & apos, o cunoștință a remarcat acum câțiva ani,

Viitorul om renascentist al muzicii americane s-a născut la Lawrence, Massachusetts, la 25 august 1918, fiul lui Samuel și Jennie Resnick Bernstein. Tatăl său, un lucrător în materie de produse de înfrumusețare care venise în Statele Unite din Rusia în copilărie, a vrut ca Leonard să preia afacerea când va crește. Mulți ani, tatăl a rezistat fiului său și nu și-a dorit să fie muzician.

Poveștile despre modul în care a descoperit muzica au devenit încrustate cu legende de-a lungul anilor, dar toate sursele sunt de acord că a fost un minune. Versiunea proprie a domnului Bernstein a fost că, la vârsta de 10 ani, mătușa sa Clara, aflată în plină procedură de divorț, și-a trimis pianul vertical la casa Bernstein pentru a fi depozitată. Copilul s-a uitat la el, a lovit tastele și a strigat: & apos & aposMa, vreau lecții! & Apos & apos

Până la 16 ani, după propria sa mărturie, nu auzise niciodată o orchestră simfonică live, un început târziu pentru orice muzician, darămite un viitor director muzical al Filarmonicii. Virgil Thomson, în timp ce critica muzicală a The New York Herald Tribune în 1940 & aposs, a comentat acest lucru:

Dacă Bernstein va deveni în timp un dirijor tradițional sau unul foarte personal, nu este ușor de profețit. El este un personaj consacrat, iar cultura sa este considerabilă. S-ar putea să se întâmple, totuși, că, trebuind să învețe repertoriul clasic într-un mod greu, adică după 15, și-ar arunca începuturile culturale și s-ar construi spre succes pe un talent pur pentru animație și proiecție personală. Trebuie să spun că ne îngrijorează puțin pe toți. & Apos & apos Aceste teme - îngrijorarea față de domnul Bernstein & aposs & apos & apostalent pentru animație & apos & apos și de înclinația sa pentru & apos & proiecție apospersonală & apos & apos - trebuiau să-l bântuie pe muzician pe parcursul unei mari cariere.

Economia mișcării nu este virtutea sa

În ceea ce privește & apos & aposanimation, & apos & apos această temă a avut tendința de a domina o mare parte din criticile aduse domnului Bernstein ca dirijor, în special în zilele sale tinere. Deși a studiat dirijatul la Philadelphia la Curtis Institute cu Fritz Reiner, al cărui ritm precis, dar minuscul, a fost o marcă a operei sale, domnul Bernstein și propriul său stil de podium exuberant păreau să fie modelat mai mult pe cel al lui Serge Koussevitzky, Boston Symphony și regizor de muzică aposs. Maestrul neofit își roti brațele în conformitate cu un mesaj interior, ignorând în mare măsură tehnicile semaforice clare descrise în manuale. Adesea, în momente de emoție, el părăsea podiumul în întregime, ridicându-se ca o rachetă, cu brațele aruncate în sus, în semn de climax triumfal.

De fapt, atât de animat a fost domnul Bernstein și stilul de dirijor în acest moment al carierei sale încât ar putea cauza probleme. La prima sa repetiție pentru o apariție a invitaților cu Simfonia St. Louis, ritmul său inițial de încetinire a atras atât de mult muzicienii încât pur și simplu au arătat uimiți și nu au făcut niciun sunet.

La fel ca un alt artist american talentat, George Gershwin, domnul Bernstein și-a împărțit afecțiunile între tradiția europeană a muzicii de concert & apos & aposserious & apos & apos și marca americană & apos & apospopular & apos & apos. La fel ca Gershwin, era acasă în jazz, boogie-woogie și clișeele din Tin Pan Alley, dar a depășit cu mult predecesorul său în cultura muzicală generală.

În multe aspecte ale vieții și carierei sale, domnul Bernstein a fost un îmbrățișator al diversității. Fiul imigranților evrei, el a păstrat un respect pe tot parcursul vieții pentru cultura evreiască și evreiască. Simfoniile lui Kaddish și apos și apos și alte câteva lucrări au fost întemeiate pe Vechiul Testament. Dar a dobândit, de asemenea, un profund respect pentru catolicismul roman, care s-a reflectat în lucrarea sa & apos & aposMass, & apos & apos din 1971 pe care a scris-o pentru deschiderea Centrului John F. Kennedy for the Performing Arts din Washington.

O catolicitate similară s-a reflectat în toată muzica sa. Compozițiile sale corale includ nu numai cântece în ebraică, ci și & apos & apos Harvard Songs: Dedication and Lonely Men of Harvard. & Apos & apos A absolvit în 1939 Harvard, unde studiase compoziția cu Walter Piston și Edward Burlingame Hill.

Cu toate acestea, un sentiment al originilor sale a rămas puternic. Koussevitzky l-a proclamat un geniu și probabil viitor director muzical al Boston Symphony - & apos & apos Băiatul este un nou Koussevitzky, o reîncarnare! Tânărul muzician i-a răspuns: & apos & aposI & aposll do it as Bernstein or deloc! & Apos & apos El a pronunțat numele în limba germană, ca BERN-stine, și nu a mai putut respecta pronunția BERN-steen decât i-ar fi plăcut să fie numit & apos & aposLenny & apos & apos de cunoștințe ocazionale .

Într-un anumit sens, a fugit de-a lungul vieții de la Lenny Bernstein, pentru a fi tratat ca rafish & apos & aposordinary guy & apos & apos pe care porecla pare să-l sugereze. Deși unii membri vârstnici ai Filarmonicii din New York nu au încetat niciodată să-l numească Lenny, domnul Bernstein a trăit cu porecla și, în ultimii ani, s-a auzit adresându-se aproape reverențial drept „apos & aposMaestro & apos & apos” în capitalele muzicale din lume și aposs. Omul care a fost patronat în tipar de mai mulți ani ca & apos & aposGlamourpuss & apos & apos sau & apos & apos Wunderkind of the Western World & apos & apos a devenit un favorit al Vienei atât ca dirijor, cât și ca însoțitor al unor specialiști în drepturi precum Dietrich Fischer-Dieskau și Christa Ludwig.

Faima a adus diplomele onorifice obișnuite și onoruri mult peste cele obișnuite. Nu numai că a dirijat la La Scala din Milano, la Metropolitan Opera și la Staatsoper din Viena, dar a fost invitat și de Harvard în 1973 să predice, în calitate de profesor de istorie Charles Eliot Norton, despre lingvistică aplicată analizei muzicale. Distincția fusese conferită anterior lui Robert Frost, T. S. Eliot, Igor Stravinsky, Aaron Copland și Paul Hindemith. În mod obișnuit, performanța domnului Bernstein și a lui Harvard a fost întâmpinată cu o amestecare de rave critice și huiduieli.

Harvard a jucat un rol important în domnul Bernstein și în creștere, oferind un vârf de brahminism. Băiatul al cărui bar mitzvah se afla la Templul Mishkan Tefila a plecat la elita Boston Latin School și a absolvit cum laude la Harvard cu un B.A.

În ultimul său semestru la Harvard, a organizat și a condus un spectacol al lui Marc Blitzstein & aposs & apos & aposCradle Will Rock și & apos & apos un musical de stânga care fusese interzis în Massachusetts, dar care nu putea fi interzis în interiorul zidurilor academice. Nu a fost prima sa aventură ca producător. La vârsta de 16 ani, a jucat în propria sa producție de & apos & aposCarmen & apos & apos la o tabără de vară, jucând rolul principal în perucă și rochie neagră.

În urma unei alte producții de școlari, la Camp Onota din Berkshires, l-a cunoscut pe Adolph Green, cu care a colaborat mai târziu în mai multe musicaluri de pe Broadway. Domnul Bernstein a fost consilier de tabără și director de teatru, iar domnul Green a fost în & apos & apos Pirații din Penzance. & Apos & apos

Un început puțin probabil pentru un dirijor

Ulterior, când domnul Bernstein a rămas fără un loc de muncă în New York City, a ridicat privirea spre domnul Green, s-a mutat cu el în apartamentul său din East Ninth Street din Greenwich Village și a început să cânte la pian la Village Vanguard pentru un grup numit Revuers. Ansamblul a inclus, pe lângă Mr. Green, colaboratorul său de comedie muzicală Betty Comden și actrița Judy Holliday. Domnul Bernstein l-a cunoscut pe Aaron Copland la Harvard în 1937 și prin el a cunoscut alți doi compozitori aspiranți, Roy Harris și William Schuman. Admirând înțelegerea intuitivă a muzicii moderne și abilitatea sa fenomenală de a cânta partituri orchestrale complexe la pian, compozitorii au fost de acord că domnul Bernstein ar trebui să devină dirijor. Dimitri Mitropoulos, Filarmonica din New York și director muzical aposs, l-a întâlnit pe domnul Bernstein în 1938 și a adăugat la consens.

În acel moment, domnul Bernstein & apos & aposdidn & apost știu un baston dintr-un trunchi de copac și & apos & apos așa cum a spus-o mai târziu.

Cu toate acestea, se hotărâse. Deoarece a depus cererea într-un moment nepotrivit al anului și a fost respins de Școala Juilliard, a plecat la Philadelphia pentru a face o audiție pentru cursul de dirijor Reiner & Aposs la Curtis Institute. Maestrul maghiar a deschis un scor în mijloc, l-a pus pe pian și i-a spus domnului Bernstein să cânte până când el a putut recunoaște piesa.

Conducătorul aspirant, care întâmpina dificultăți în a vedea muzica, deoarece suferea de o reacție alergică la Copland & aposs pisica, a discernut totuși că lucrarea a fost & apos & apos Festivalul Academic & apos & apos Overture of Brahms. A fost acceptat.

La Curtis, a studiat dirijat cu Reiner și pian cu Isabella Vengerova. Printre profesorii săi anteriori de pian se numărau o vecină, Freida Karp, Helen Coates și Heinrich Gebhard. În 1940 a plecat la Tanglewood, unde a studiat la Berkshire Music Center cu Koussevitzky, care l-a adoptat rapid pe domnul Bernstein și l-a numit Lenyushka.

În anii următori, domnul Bernstein s-a lăudat că a păstrat respectul și prietenia atât a lui Koussevitzky, cât și a lui Reiner, care dețineau idei practic opuse despre ce ar trebui să facă un dirijor și cum ar trebui să o facă. Dar povestea așa cum i-a spus-o faimosului irascibil Reiner cunoștințelor a fost diferită:

În realitate, nu toate asociațiile domnului Bernstein și aposs cu colegii mai în vârstă erau calzi și colegiali. În John Gruen & aposs biografic & apos & apos The Private World of Leonard Bernstein, & apos & apos publicat în 1968, domnul Bernstein a afirmat că Artur Rodzinski l-a prins odată de peretele unui dressing, încercând să-l înăbușe din cauza geloziei față de tânărul asistent și de flerul publicitar. Dar, potrivit domnului Bernstein, Rodzinski devenise până atunci oarecum ciudat: purta întotdeauna o armă în buzunarul din spate, de exemplu, pentru sprijin psihologic atunci când se confrunta cu orchestra.

Un boicot cauzează poticnire la început

Cu toate acestea, Rodzinski a fost cel care i-a oferit domnului Bernstein șansa de a dirija Filarmonica din New York într-un moment slab în care tânărul se răzgândea ca muzician în New York. La vârsta de 22 de ani, domnului Bernstein i s-a oferit de Koussevitzky o logodnă cu Sinfonia din Boston, dar a fost forțat să refuze. Federația Americană a Muzicienilor, la care aparținea domnul Bernstein, și-a sfătuit membrii să boicoteze Boston Symphony, ultima dintre cele mai importante orchestre rămânând neorganizate. El și-a amintit mai târziu, domnul Bernstein a încercat să marcheze timpul prin deschiderea unui studio de predare în Boston, dar a apărut & apos & aposnobody. & Apos & apos

În toamna aceea, s-a mutat la New York, unde s-a descurcat cu greu.

În cele din urmă, a obținut un loc de muncă de 25 de dolari pe săptămână la Harms-Remick, o casă de edituri de muzică, unde sarcinile sale includeau ascultarea lui Coleman Hawkins și Earl (Fatha) Hines și punerea jazz-ului pe hârtie. De asemenea, a scris aranjamente populare sub numele de Lenny Amber (Bernstein în engleză). Oferta Filarmonicii de Rodzinski a venit fără avertisment. Rodzinski îl auzise pe domnul Bernstein conducând o repetiție la Tanglewood, își amintea de tânăr și, după o oră de discuții, îl angajase ca asistent pentru sezonul 1943-44.

Dirijorii asistenți, prin tradiție, ajută foarte mult, dar nu prea mult dirijori. Totuși, Destiny avea alte planuri pentru Leonard Bernstein și, când a bătut ocazia într-o duminică după-amiază, în 1943, era gata să deschidă ușa. Pe 14 noiembrie, Bruno Walter s-a îmbolnăvit și nu a putut conduce Filarmonica.Tânărul asistent și-a preluat programul (lucrări de Schumann, Rosza, Strauss și Wagner) și a obținut un succes senzațional. Deoarece concertul a fost difuzat prin radio și a apărut o recenzie pe pagina 1 a The New York Times a doua zi, numele lui Leonard Bernstein a devenit brusc cunoscut în toată țara.

Noroc tipic Lenny, și apos și apos, au spus unii observatori de lungă durată ai lui Bernstein. Dar domnul Bernstein a dat o mână de noroc: Știind că Walter nu se simte bine, a studiat programul și a obținut scoruri deosebit de greu, pentru orice eventualitate. La 25 de ani, devenise cineva din lumea simfonică.

După acea pauză, deși era încă mai mult de un deceniu distanță de a deveni director muzical al Filarmonicii, domnul Bernstein a început să își consolideze câștigurile. A participat la trei sezoane interesante, dar neproductive din punct de vedere financiar (1945-48), ca dirijor al Simfoniei din New York City. Nu a primit nicio taxă și nici soliștii.

În 40 & aposs, Celebrity And Back Muscles

La sfârșitul anului 1940, domnul Bernstein a înflorit ca o persoană publică. A ajuns să fie un spectacol familiar la Sala de ceai rusească, la Lindy & aposs și la Reuben & aposs. Columnistii au raportat că i-au plăcut boogie-woogie, rumba și conga și că admiratoarele s-au dezlănțuit când a pășit pe podium. Tallulah Bankhead l-a urmărit odată pe domnul Bernstein conducând o repetiție Tanglewood și i-a spus în baritonul ei husky: Trebuie să vii și să iei cina cu mine. & Apos & apos

Aproape toată lumea în acei ani îl dorea pe domnul Bernstein. Camera de Comerț a Statelor Unite l-a numit drept unul dintre bărbații remarcabili ai anului, alături de Nelson A. Rockefeller și John Hersey. Se spune că fanii săi i-au smuls hainele și l-au atacat în mașină. Paramount l-a testat pentru rolul principal într-un film despre Ceaikovski, dar a fost respins, potrivit dirijorului, pentru că urechile & apos & aposmy erau prea mari. & Apos & apos

De fapt, domnul Bernstein arăta rolul unui idol pop cu profilul său puternic și părul negru ondulat.

Din punct de vedere muzical, cariera sa a fost și ea în creștere. În 1947 a dirijat un concert complet al Boston Symphony ca invitat, pentru prima dată în Koussevitzky și avea o domnie de 22 de ani că oricărui alt dirijor i s-a permis să facă acest lucru în Carnegie Hall. A fost consilier muzical al Orchestrei Simfonice Filarmonice din Israel pentru sezonul 1948-49. A fost membru al Berkshire Music Center din 1948 și șef al departamentului de dirijor din 1951. A fost profesor de muzică la Universitatea Brandeis din 1951 până în 1956.

În 1953, domnul Bernstein a devenit primul dirijor născut în America care a fost angajat de La Scala în Milano, Italia și cel mai important teatru de operă, conducând un spectacol de Cherubini & aposs & apos & apos Medea & apos & apos cu Maria Callas în rolul principal.

În timpul perioadei de șase ani a lui Mitropoulos ca director muzical al Filarmonicii, începând din sezonul 1951-52, domnul Bernstein a fost un dirijor invitat frecvent. În 1957-58, cei doi au lucrat împreună ca dirijori principali ai orchestrei. Un an mai târziu, domnul Bernstein a fost numit director muzical.

Numirea la New York ar fi fost o încercare severă a oricărui dirijor. Calitatea orchestrei și a aposs a coborât, repertoriul său a stagnat și publicul a căzut. Moralul orchestrei era scăzut și încă scufunda. Domnul Bernstein a sărit cu brio-ul său obișnuit și cu spectacolul și dorința sa de a încerca idei noi.

El a desemnat concertele de joi seară drept & apos & aposPreviews, & apos & apos la care a vorbit informal publicului despre muzică. Și-a construit sezonul în jurul unor teme precum & apos & apos Schumann și Romantic Movement & apos & apos și & apos & apos Keys to the 20th Century. & Apos & apos Lucrări cu sunete ciudate ale compozitorilor de avangardă precum Elliott Carter, Milton Babbitt, Karlheinz Stockhausen, Gunther Schuller și John Cage au început să se infiltreze. . A luat orchestra în turnee în America Latină, Europa, Japonia, Alaska și Canada.

Uneori se părea că domnul Bernstein nu putea să strângă încă o logodnă, încă o înfățișare socială. În timpul unei întinderi deosebit de aglomerate, a condus 25 de concerte în 28 de zile. Stilul său de dirijor reflecta cu exactitate cursa lui fără suflare prin viață. Deși în anii următori și-a redus maniera coregrafică, el a rămas unul dintre dirijorii mai înalți ai timpului său. Această flotabilitate irepresionabilă a dus uneori la probleme: în 1982 a căzut de pe stand în Houston în timp ce conducea Ceaikovski și, doi ani mai târziu, a realizat acea înfricoșătoare cascadă în timp ce conducea Filarmonica din Viena din Chicago. Cea mai gravă leziune pe care a suferit-o a fost, însă, o vânătăi de la un medalion pe care îl purta la gât.

De-a lungul anilor săi de Filarmonică, și-a păstrat legăturile cu Broadway și cu prietenii de spectacol pe care i-a făcut înainte de a deveni un maestru adulat la nivel internațional. El a scris deja muzică pentru versiunea muzicală a & apos & apos Peter Pan & apos & apos (1950) și & apos & apos The Lark, & apos & apos o piesă cu Julie Harris (1955). Pentru Hollywood, el a scris scorul la & apos & aposOn the Waterfront & apos & apos (1954). Au urmat succese muzicale pe scenă: & apos & apos On the Town & apos & apos (1944), & apos & apos Wonderful Town & apos & apos (1953), & apos & aposCandide & apos & apos (1956) și & apos & apos West Side Story & apos & apos (1957). Câteva dintre lucrările scenice continuă să prospere: în 1985, domnul Bernstein a realizat o versiune cvasi-operică a & apos & apos West Side Story & apos & apos (distribuția a inclus-o pe Kiri Te Kanawa și Jose Carreras) care l-au mulțumit imens și au prezentat lucrarea unei noi generații de ascultători.

Apoi, au fost baletele & Apos & aposFancy Free & Apos & Apos (1944) și & Apos & aposFacsimile & Apos & Apos (1946), ciclurile de cântece & Apos & aposI Hate Muzică & Apos & Apos și & Apos & aposLa Bonne Cuisine & Apos & Apos a & Apos & aposJeremiah & Apos & Apos și & Apos & aposAge de Anxietate și Apos & Apos simfonii the-un act opera & Apos & aposTrouble în Tahiti & APOS & APOS Serenada pentru vioară și orchestră de coarde cu percuție Symphony Nr. 3 (& apos & apos Kaddish & apos & apos), și & apos & apos Psalmii din Chichester. & Apos & apos

În anii de după ce a părăsit direcția muzicală a Filarmonicii pentru a deveni dirijor de orchestră și laureat, s-a întors la teatru. A creat ecumenicul și controversatul & apos & aposMass & apos & apos și, împreună cu Jerome Robbins, baletul & apos & aposDybbuk, & apos & apos organizat de New York City Ballet în 1974.

Viața domnului Bernstein și aposs a luat o întorsătură către o stabilitate mai mare în 1951 când s-a căsătorit cu actrița Felicia Montealegre Cohn. Tatăl ei american fusese șeful Companiei americane de topire și rafinare din Chile și a fost trimisă în New York pentru a studia pianul. După câțiva ani de poveste romantică, s-au căsătorit la Boston. Au avut trei copii: o fiică, Jamie, un fiu, Alexander Serge (numit după Serge Koussevitzky) și a doua fiică, Nina.

Pe lângă copiii săi, care locuiesc cu toții în New York City, și mama sa, din Brookline, Mass. . Domnul Bernstein și soția sa au început o & apos & separare apostrială & apos & apos după 25 de ani de căsătorie. Cu toate acestea, au continuat să apară împreună în concerte, o astfel de ocazie fiind un program în omagiu pentru Alice Tully la Alice Tully Hall, unde domnul Bernstein a dirijat Sir William Walton & aposs & apos & aposFacade & apos & apos cu soția sa ca unul dintre cei doi naratori. Doamna Bernstein a murit în 1978 după o lungă boală.

După ce a părăsit directorul muzical și a postat la Filarmonică în 1969, domnul Bernstein a redus cu greu activitățile sale frenetice. A continuat să dirijeze invitat, să înregistreze pentru Columbia Records, să dirijeze la Metropolitan Opera și să cânte la pian pentru recitalii lieder. Compania sa, Amberson Productions, pe care a format-o împreună cu prietenul său Schuyler G. Chapin pentru a se ocupa de diversele sale interese, s-a extins în noul domeniu al casetelor video.

Domnul Bernstein, democrat și liberal de multă vreme, s-a interesat profund de politică și a fost prieten cu Kennedy. Masa lui & apos & apos a fost dedicată lui John F. Kennedy. Printre invitații la petreceri de strângere de fonduri din apartamentul său de la sfârșitul anilor 1960 și aposs, s-ar putea găsi unii dintre principalii avocați ai drepturilor civile din această perioadă, o formă de ospitalitate care l-a inspirat pe scriitorul Tom Wolfe să inventeze termenul & apos & aposradical chic. & Apos & apos În book & apos & apos Radical Chic & amp Mau-Mauing the Flak Catchers, & apos & apos Domnul Wolfe a descris o petrecere de strângere de fonduri pe care domnul Bernstein a dat-o pentru Black Panthers.

În timpul deceniului domnului Bernstein & Filarmonică, orchestra a angajat primul său membru negru, violonistul Sanford Allen.

A continuat să compună, chiar dacă în spurts. Lucrările târzii includ & apos & apos Jubilee Games, & apos & apos & apos & apos Arias și Barcarolles, & apos & apos & apos & apos Halil & apos & apos și o continuare a operei sale & apos & aposTrouble in Tahiti & apos & apos intitulat & apos & aposA Quiet Place. Centrul Kennedy din Washington.

Aproape până în momentul morții sale, domnul Bernstein a desfășurat o varietate uimitoare de activități, grăbindu-se în jurul lumii cu același abandon neobosit care îi caracterizase viața în zilele în care obținea un succes într-un sezon pe Broadway.

Dar Broadway se schimbase până la momentul în care domnul Bernstein și ultimul partitura teatrală au ajuns la Mark Hellinger Theatre în martie 1976. Mult așteptata lucrare pe care el și Alan Jay Lerner o compuseseră, și apos & apos1600 Pennsylvania Avenue, și apos & apos s-au închis după șapte reprezentații.

A apărut în Israel, unde Filarmonica Israelului organizează un festival retrospectiv Leonard Bernstein pentru a sărbători 30 de ani de la debutul său pe un podium israelian. În timpul unei perioade de două săptămâni, muzica sa a fost auzită în săli de concerte, teatre, cinematografe și alte auditoare din toată țara. În 1988, când avea 70 de ani, domnul Bernstein a fost numit dirijor laureat al orchestrei israeliene. Anul acela de naștere a adus onoruri din toate direcțiile, dar niciunul nu părea să-l satisfacă mai mult decât sărbătoarea organizată pentru el la Festivalul Tanglewood, scenă a atâtor triumfe la începutul carierei sale. La 14 noiembrie 1988, pentru a marca 45 de ani de la debutul său de dirijor la Filarmonică, a condus orchestra într-un concert de la Bernstein.

Coroanele de lauri au continuat să-i cadă în ultimele decenii. Ales în Academia Americană și Institutul de Arte și Litere în 1982, a fost distins cu Medalia de Aur Academy & Aposs trei ani mai târziu. Orașul Milano, casa La Scala, i-a acordat și Medalia de Aur.

O notă discordantă a sunat în 1989, când a refuzat să accepte o medalie din partea administrației Bush, aparent ca un protest împotriva a ceea ce el a considerat cenzura unei expoziții de SIDA de către National Endowment for the Arts. La fel ca mulți alți artiști și personalități publice, el și-a contribuit serviciile la concerte în beneficiul luptei împotriva SIDA.

Viața privată a domnului Bernstein și aposs, mult timp subiectul zvonurilor din lumea muzicală, a devenit o carte deschisă în 1987, când homosexualitatea sa a fost adusă în atenția publicului larg de către Joan Peyser & aposs & apos & apos Bernstein: A Biography. & Apos & apos

Pe măsură ce vârsta avansează, ritmul merge prea

Departe de a încetini odată cu înfrângerea vârstei, domnul Bernstein părea să accelereze. Crăciunul trecut a condus o reprezentație a Beethoven & aposs Ninth Symphony la Berlin pentru a celebra prăbușirea zidului dintre Germania de Est și de Vest. Cu fler tipic, el a înlocuit cuvântul & apos & aposFreiheit & apos & apos (& apos & aposFreedom & apos & apos) pentru poetul & aposs & apos & aposFreude & apos & apos (& apos & aposJoy & apos & apos) în finalul coral. Guvernul est-german i-a acordat Steaua Oamenilor și Medalia de prietenie.

Deși ar fi refuzat o ofertă de a reveni la Filarmonica din New York în calitate de regizor de muzică, era programat să dirijeze șase săptămâni de concerte pentru următoarele câteva sezoane. Înainte de a se prăbuși de epuizare anul acesta în Japonia, domnul Bernstein a participat la Festivalul de muzică din Pacific.

La sfârșitul vieții sale extraordinar de neliniștite și fructuoase, domnul Bernstein și-a apărat decizia timpurie de a se răspândi pe cât mai multe domenii de efort pe care le-a putut stăpâni. Nu vreau să-mi petrec viața, așa cum a făcut Toscanini, studiind și retroducând aceleași 50 de piese muzicale, și apos & apos pe care le-a scris în The Times.

& apos & apos Ar fi, & apos & apos el a continuat, & apos & aposbore m-a purtat până la moarte. Vreau să conduc. Vreau să cânt la pian. Vreau să scriu pentru Hollywood. Vreau să scriu muzică simfonică. Vreau să încerc să fiu, în sensul deplin al cuvântului minunat, un muzician. Vreau și eu să predau. Vreau să scriu cărți și poezie. Și cred că pot să le fac dreptate tuturor. & Apos & apos


Cuprins

Concertul a fost planificat ca un concert de abonament regulat spre sfârșitul celui de-al 71-lea sezon al orchestrei - ultimul său la Carnegie Hall [2] - și nu era de așteptat să provoace mari agitații. Dar cu câteva zile înainte de a începe repetițiile, Gould l-a sunat pe Bernstein în legătură cu câteva descoperiri pe care le făcuse în timp ce studia scorul. Dirijorul a fost curios, scriind mai târziu:

Orice descoperire a lui Glenn a fost binevenită de mine pentru că mă veneram în felul în care juca: îi admiram abordarea intelectuală, abordarea „tupeu”, dedicarea sa completă pentru orice făcea. [3]

Cu toate acestea, noutatea ideilor lui Gould trebuia împărtășită cu atenție orchestrei, iar mai târziu publicului. Problema la îndemână a fost că Gould a ales să ia trei tempi foarte lent în interpretarea celor trei mișcări. Bernstein, îndemnându-i pe muzicieni să nu renunțe, s-a referit la Gould ca un „mare om” [4] și a susținut că ideile sale ar trebui luate în serios.

Partea de pre-intermitere a programului concertului a constat din două lucrări de Carl Nielsen, uvertura pentru opera sa Maskarade, dirijată de asistentul John Canarina, și a cincea sa simfonie. Acest lucru a decurs fără probleme, dar a doua jumătate a concertului a fost mai puțin sigură. Nici măcar performanța lui Gould nu a fost garantată, deoarece a anulat în mod regulat în ultimul moment. În consecință, orchestra a fost gata cu o altă lucrare a lui Brahms, prima sa simfonie, care urma să fie interpretată în concertul de sâmbătă al seriei de abonament în locul concertului. Canarina și-a amintit mai târziu că l-a văzut pe Harold Gomberg, oboiul principal al orchestrei, stând în culise pentru a vedea dacă va fi nevoie de simfonie. Abia când a început concertul, pentru care nu era necesar, a părăsit sala. [5] În acest caz, Gould a cântat, alegând să lucreze din partitura orchestrală, care fusese fixată pe bucăți mari de carton la pian. [5]

Având în vedere natura neobișnuită a concepției lui Gould asupra piesei, Bernstein a stabilit că va face câteva remarci de pe podium pentru a pregăti mai bine publicul pentru spectacolul care va urma. El a făcut acest lucru la concertul de joi, considerat pe larg ca o „avanpremieră” a restului cursei, la care criticii nu au venit, însă și-a repetat discursul la concertul de vineri, care a fost de obicei cel ales pentru recenzie. [3]

Comentariile lui Bernstein de pe podium:

Nu te speria. Domnul Gould este aici. Va apărea într-o clipă. Nu știu că am obiceiul de a vorbi la orice concert, cu excepția previzualizărilor de joi seara, dar a apărut o situație curioasă, care merită, cred, un cuvânt sau două. Sunteți pe cale să auziți o interpretare destul de neortodoxă a concertului minor Brahms D, o interpretare diferită de orice am auzit vreodată, sau chiar am visat de altfel, în timpurile sale remarcabil de largi și plecările sale frecvente din indicațiile dinamice ale lui Brahms. Nu pot să spun că sunt în total acord cu concepția domnului Gould și acest lucru ridică întrebarea interesantă: „Ce fac să o conduc?” O conduc pentru că domnul Gould este un artist atât de valid și de serios încât trebuie să iau în serios tot ce concepe el cu bună credință și concepția sa este suficient de interesantă, încât să simt că și tu ar trebui să o auzi.

Dar întrebarea veche rămâne în continuare: „Într-un concert, cine este șeful solistului sau dirijorul?” Răspunsul este, desigur, uneori unul, alteori celălalt, în funcție de persoanele implicate. Dar aproape întotdeauna, cei doi reușesc să se reunească prin convingere sau farmec sau chiar amenințări pentru a obține o performanță unificată. Am avut o singură dată înainte în viața mea să mă supun conceptului complet nou și incompatibil al unui solist și a fost ultima oară când l-am însoțit pe domnul Gould. (Publicul a urlat de râs la asta.) Dar, de data aceasta, discrepanțele dintre punctele noastre de vedere sunt atât de mari încât simt că trebuie să fac această mică responsabilitate. Atunci de ce, pentru a repeta întrebarea, o conduc? De ce nu fac un scandal minor - obțin un solist înlocuitor sau las un asistent să conducă? Pentru că sunt fascinat, bucuros că am șansa pentru o nouă privire asupra acestei lucrări mult jucate Pentru că, mai mult, există momente în spectacolul domnului Gould care apar cu o prospețime și o convingere uimitoare. În al treilea rând, pentru că toți putem învăța ceva de la acest artist extraordinar, care este un interpret gânditor, și în cele din urmă pentru că există în muzică ceea ce Dimitri Mitropoulos numea „elementul sportiv”, acel factor de curiozitate, aventură, experiment și pot vă asigur că a fost o aventură în această săptămână colaborarea cu domnul Gould la acest concert de Brahms și că în acest spirit de aventură vi-l prezentăm acum. [6] [7]

Observațiile lui Bernstein Edit

Comentariile lui Bernstein au provocat multe comentarii de la aproape toți criticii prezenți. Unii i-au privit favorabil ideea, alții mai puțin. Harold C. Schonberg, în special, a luat o mare excepție de la decizia lui Bernstein, ducându-l sever la sarcină în ediția de a doua zi a New York Times. Schonberg și-a exprimat recenzia sub forma unei scrisori către prietenul său „Ossip” (considerat de unii ca fiind o versiune a pianistului Ossip Gabrilowitsch) în care a condamnat numeroase aspecte ale spectacolului, în special încercarea aparentă a dirijorului de a arunca vina asupra solistului. :

Știi ce, Ossip? Cred că, deși dirijorul a făcut această mare responsabilitate, nu ar trebui să i se permită să se miște atât de ușor. Adică, cine l-a logodit pe băiatul Gould în primul rând? Cine este regizorul muzical? Cineva trebuie să fie responsabil. [3]

A terminat cu un glis la tehnica lui Gould. Recenzii au fost de asemenea tipărite în majoritatea ziarelor din New York și în unele altele din întreaga lume.

Performanța lui Gould Edit

Performanța lui Gould a venit și ea pentru o mulțime de critici. Cu o durată de peste 53 de minute, s-a văzut că era mult prea lent. [8] Gould a fost, de asemenea, criticat pentru că a luat libertăți excesive cu marcaje de scor. Cercetări mai recente au validat, până la un punct, ideile lui Gould. [4] [ clarificare necesară ] Înregistrarea ulterioară a concertului de Bernstein, cu Krystian Zimerman, durează până la 54 de minute (deși prima mișcare, la 24:32 vs. 25:37, și a treia mișcare, la 13:00 vs. 13:34, sunt considerabil mai scurte) , și alte înregistrări au o lungime comparabilă. [4] Se spune că Gould, la rândul său, s-a bucurat din plin de proceduri, în special faptul că a provocat o huiducie din partea publicului, a susținut că oarecare controversă era mai bună decât o compaciență liniștită cu spectacolul. De asemenea, a permis o anumită libertate înainte de concertul de duminică după-amiază, la cererea lui Bernstein, el a permis dirijorului mai multă libertate cu orchestra și, în consecință, discursul nu a fost ținut. [5]

Columbia Records plănuise să lanseze o înregistrare a concertului, ca parte a acordului său cu Filarmonica și cu Bernstein. Atât el, cât și Gould erau în contract cu compania, se așteptase în continuare că va înregistra cea mai mare parte a repertoriului concertelor orchestrei pentru distribuire. Cu toate acestea, după controversa privind performanța lui Gould, s-a decis (de Schuyler Chapin, pe atunci directorul companiei) să se retragă orice planuri pentru o lansare comercială. Cu toate acestea, concertul a fost transmis în direct, iar presiunile de bootleg ale difuzării au circulat de câțiva ani. Drept urmare, s-a decis lansarea spectacolului pe Sony Classical, discul fiind completat cu remarcile lui Bernstein și cu un interviu radio cu Gould din 1963.

Există și alte înregistrări ale lui Gould care cântă același concert la un tempo mai convențional, unul cu dirijorul canadian Victor Feldbrill, [9] și altul cu Baltimore Symphony sub Peter Herman Adler (9 octombrie 1962, odată disponibil pe Music & amp Arts CD) 297). [10]

Spectacolul este menționat în mod regulat de către critici [11] și caracteristici în retrospectiva carierei lui Gould. [12] Gould, vorbind în 1982, nu s-a pocăit:

Solistii și dirijorii nu sunt de acord tot timpul. De ce ar trebui ascuns acest lucru publicului, mai ales dacă ambele părți își dau tot totul? [2]


Debutul filarmonic N.Y. al lui Leonard Bernstein

Documentează aproape complet experiența pe care ați fi avut-o, dacă ați fi ascultat la radio acasă transmisia Columbia Broadcasting System, în acea zi, duminică, 14 noiembrie 1943, de la 15 la 16:30, când Bernstein și-a făcut pauza și a fost chemat să intervină în locul unui Bruno Walter care s-a îmbolnăvit brusc de gripă, pentru a dirija un concert al „New York Philharmonic Symphony Orchestra” (așa cum se numea încă) în Carnegie Hall. Producătorii - Barbara Haws, arhivist / istoric al Filarmonicii din New York și Sandra Mandel, director asociat pentru marketing - au luat decizia strălucită de a părăsi toate anunțurile difuzorului - integral cu reclama finală pentru Compania de cauciuc din Statele Unite care a sponsorizat difuzarea . Este la fel de distractiv ca și auzirea înregistrării difuzării originale a lui Orson Welles a filmului The Martians de HG Wells.

De ce doar „aproape complet”? Transmisiile CBS au durat 90 de minute, iar CD-ul este limitat la 74 de minute, deci câteva reclame on-air și funcția de intermitere au fost lăsate în afara. Acesta din urmă a cuprins o introducere a lui Carl Van Doren urmată de Orson Welles citind „Scriptura americană” de Nancy Hale și „ultimele buletine de la CBS World New Headquarters”. Acestea (spune o notă a arhivistului Barbara Haws) pot fi auzite cu un spectru complet, la programarea la NYPO Archives la Lincoln Center. Newyorkers, profitați! Concertul a fost de fapt mai lung decât difuzarea: s-a încheiat cu Preludiul lui Meistersinger al lui Wagner și chiar atunci a izbucnit pandemoniul - o experiență care va trăi în continuare doar prin amintirile celor care au participat (câți sunt încă cu noi astăzi?), iar imaginația celor ca noi a rămas pentru a citi relatările scrise. De asemenea, difuzarea a fost, desigur, înregistrată și păstrată pe șelacuri. De cele mai multe ori, în transferurile oferite aici, ați putea confunda foarte mult zgomotul de suprafață cu staticul de pe radioul de masă. Doar în ultimele două minute ale lui Don Quijote, un sabot a invadat șanțurile într-un grad care era evident imposibil de șters. Nu este mare lucru: semnificația acestei înregistrări nu este una sonică, ci una muzicală și istorică.

O broșură grozavă, cu o mulțime de fotografii (Carnegie circa 1943, Bernstein la masa sa de lucru trecând peste un scor, Bernstein cu Rodzinski în 1943, care are un braț tată în jurul umerilor și arată ca un gigant alături, o telegramă Western Union trimisă de Koussevitzky la 16:20 în acea zi în care scrie „Ascultând acum minunat”, Bernstein a felicitat-o ​​de membrii orchestrei după concert - da, știam deja că aceasta este o poveste cu un final fericit - și multe altele) și toate istoricul relevant și date biografice, inclusiv extrase din ultimul interviu al lui Bersntein acordat fratelui său Burton în 1989, în care a rememorat acel concert inaugural și extrase din cartea lui Burton "Family Matters". La începutul acelui sezon, tânărul Bernstein, în vârstă de 25 de ani, fusese oferit de Rodzinski, care îl văzuse să dirijeze sezonul înainte de orchestra studenților de la Tanglewood, postul de asistent de dirijor la Filarmonică (de ziua lui! !). Rodzinski, „un buchmanit confirmat”, a adăugat că Dumnezeu i-a spus să „ia Bernstein”. Nu ni se spune dacă Lenny era o persoană profund religioasă, dar nu s-a certat acolo cu Cuvântul lui Dumnezeu.

De fapt, postul s-a dovedit a fi bine plătit, dar destul de dezamăgitor, întrucât presupunea participarea la toate repetițiile, studierea scorurilor și pregătirea pentru preluare în caz de nevoie. dar în istoria orchestrei nu s-a amintit că un dirijor a ratat vreodată!

Bruno Walter repetase acel concert din noiembrie - Bernstein participând la auditoriu - și dirijase deja două spectacole. Sâmbătă, 13 noiembrie a fost o seară cu totul specială pentru Lenny: primul concert al uneia dintre lucrările sale susținut la New York: ciclul său de melodie „I Hate Music” susținut de soprana Jenny Tourel la Primărie. În acea după-amiază, totuși, a fost avertizat de conducerea orchestrei că Walter a luat gripa și că există o posibilitate îndepărtată, dacă nu își revine și dacă Rodzinski nu ar putea să se întoarcă de la ferma sa cu zăpadă din Stockbridge. , că Bernstein ar trebui să preia. Concertul primăriei a decurs frumos, iar perspectiva zilei următoare nu l-a împiedicat pe Bernstein să meargă la petrecerea de după concert la Tourel's. și plecând doar la primele ore ale dimineții. Apelul telefonic de la ora 9 l-a trezit ca să-i dea vestea că va intra.

Imagina. Bernstein, el nu dirijase niciodată orchestra, nu avea nicio repetiție cu ei - și era o transmisie live, la nivel național! Așa cum a spus New York Daily News a doua zi, a fost „ca o captură strălucitoare în câmpul central. Fă-o și ești un erou. În reminiscențele sale, Bernstein subliniază că nu era obsedat atât de mult de Don Quijote (în acea dimineață, un Walter tremurând a mers cu el peste scorul la hotelul său, oferindu-i sfaturi despre cum l-a condus), ca și cu Manfred Overture de Schumann - "foarte complicat pentru că începe cu o odihnă - bătaia este o odihnă. Dacă nu vin împreună, întregul concert este scufundat". Bernstein adaugă că, din momentul în care a urcat pe podium, nu-și mai poate aminti nimic până la ultimul eșec. Dar restul, după cum se spune, este istorie.

Broșura conține interviuri cu unii dintre muzicienii implicați, care își amintesc de fiorul special al faptului că acest tânăr și frumos erou a intervenit. Toți spun că Bernstein a fost suficient de inteligent pentru a nu schimba nimic în interpretarea lui Walter - dar că această performanță cu el a avut o a adăugat emoție și mirare. William Vacchiano, trompeta principală a orchestrei la acea vreme, remarcă inteligent că, în acea perioadă de război, oamenii aveau nevoie de un erou american. Asta au primit. Informând publicul despre boala lui Walter și despre înlocuire, Bruno Zirato, managerul asociat al orchestrei, a anunțat „debutul unui dirijor cu drepturi depline care s-a născut, a fost educat și a fost instruit în această țară”. Burton Bernstein amintește că câțiva membri ai publicului au ales apoi să iasă. Oh, a ***** s. Ei bine, acum (dacă sunt încă aici), ei pot ajunge din urmă, la fel și noi.


LEONARD BERNSTEIN & # 8217S DEBUT la CARNEGIE HALL

La 14 noiembrie 1943, Bruno Walter era programat să dirijeze Filarmonica din New York, dar s-a îmbolnăvit. Leonard Bernstein, în vârstă de douăzeci și cinci de ani, care cu doar câteva săptămâni mai devreme fusese numit asistent dirijor, a fost chemat să intervină. Așteptând pe scenă, în timp ce managerul a informat publicul că Walter nu va conduce în acea după-amiază, Bernstein și-a amintit că a auzit & # 8220groans . & # 8221 Unii oameni au plecat. Dar, odată ce muzica a început, publicul a fost în colțul lui Bernstein și # 8217s și # 8230 de acordurile finale ale Preludiu la Wagner și Die Meistersinger, publicul a fost în picioare strigând. https://bit.ly/2F9mptl

Concertul, care a fost transmis în direct în toată țara, a avut un succes larg, iar Bernstein a devenit un succes instantaneu.

Bernstein a mai apărut de 427 de ori la Carnegie Hall, devenind unul dintre cei mai des auziți dirijori de pe scena Carnegie Hall.

Bernstein nu intenționase să fie dirijor, ci mai degrabă pianist și compozitor. Cu toate acestea, el la întâlnit pe dirijorul Dimitri Mitropoulos la Harvard, care l-a îndrumat spre dirijat. Restul, așa cum se spune, este istorie și # 8230. iar Bernstein este acum, foarte mult, o figură de frunte în & # 8220 istoria muzicală a orașului New York. & # 8221


Priveste filmarea: Leonard Bernstein The art of conducting Subtitulado Completo